Images courtesy of Bottega Veneta

Bottega Veneta à Detroit : « What’s in Fashion »?

Tout ce que vous vouliez savoir sur la mode cette semaine.

par Mahoro Seward et Osman Ahmed
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27 Octobre 2021, 2:26pm

Images courtesy of Bottega Veneta

Le mois de la mode est peut-être calme, mais cela signifie-t-il que la mode est calme ? Pas du tout ! Comme chaque semaine, voici un florilège des plus chics histoires de ces sept derniers jours. Aujourd'hui, nous vous proposons des nouvelles de Bottega Veneta, ainsi que la nouvelle campagne de Juergen Teller pour Saint Laurent, un scoop sur la dernière exposition de Valentino à Pékin, et une brève présentation d'un groupe passionnant de jeunes talents portugais par Marques' Almeida. Au-delà de la mode, nous vous proposons également des entretiens avec le commissaire à l'origine de la première exposition londonienne de l'une des artistes russes de la génération Z les plus passionnants, ainsi qu'avec Georgina Johnson, l'inspiratrice de l'incontournable anthologie The Slow Grind. Voici « what’s in fashion ».

Saint Laurent présente Hot Girl Winter

Le mercure nocturne est descendu à moins de 10°C et nous sommes à une semaine du changement d’heure. Ne vous y trompez pas, l'hiver arrive ! Bien que cela puisse être une bonne excuse pour sortir vos chaussettes les plus douillettes et vos tricots les plus épais, Saint Laurent est là pour vous convaincre de prendre une direction plus sexy cette fois-ci. Photographiée par Juergen Teller dans un rude paysage islandais fait d'icebergs et de sable volcanique noir, la campagne hiver 2021 de la maison est une déclaration claire : la brutalité des éléments ne devrait jamais vous empêcher d'être la plus sexy. Vous voulez porter une veste de smoking à paillettes et des talons aiguilles sur une plage hivernale ? Faites-le. Un justaucorps en lamé or dans la neige ? Qui diable est Mère Nature pour vous dire le contraire ? Après tout, nous avons tous passé beaucoup plus de temps que nécessaire dans des vêtements informes et confortables. Nous devons peut-être dire adieu au hot girl summer, mais comme cette porte s'est refermée, Saint Laurent vient d'en ouvrir une autre, le hot girl winter ! MS

Heron Preston for Calvin Klein
Photographie Ricky Salz. Image courtesy of Calvin Klein

Heron Preston pour Calvin Klein

"Ni plus, ni moins que ce dont nous avons vraiment besoin ", c'est ainsi que Heron Preston a décrit sa deuxième collection pour Calvin Klein, où il est actuellement le consultant créatif. Le designer basé à New York a passé l'année dernière à fouiller dans les archives du temple du minimalisme, s'inspirant des styles passés pour ses interprétations modernes du sportswear et du denim avec une "attitude new-yorkaise dépouillée, propre et minimale". Lancée avec un film réalisé par Ricky Saiz (l'homme derrière "Apeshit" des Carters), la collection de vestes en denim en plastique recyclé, de pull-overs aux lignes pures, de joggings sans élastique et d'agrafes en tricot thermique prend vie grâce à l'énergie du danseur et artiste Savion Glover. "Nous avons conçu cette collection de la tête aux pieds - et nous avons même actualisé les chaussettes en une laine épaisse - que vous pouvez porter à l'intérieur", ajoute Preston, 38 ans. Bien sûr, Calvin Klein est une marque connue pour ses publicités érotiques et le sexe est de retour en force sur les podiums, mais qu'est-ce qui pourrait être plus attirant qu'une nuit confortable à l'intérieur, dans vos Calvins ? Et par là, nous entendons des chaussettes Calvin bien épaisses. OA

Valentino célèbre ses racines arty à Pékin

Nous savons tous maintenant que de bons vêtements ne suffisent pas pour gagner dans le jeu de la mode d'aujourd'hui. Plus que cela, il faut être capable de créer de véritables moments culturels. Une maison qui n'a pas à s'inquiéter sur ces deux fronts est Valentino. Sous la direction créative de Pierpaolo Piccioli, la maison romaine s'est forgée une réputation de mode romantique à couper le souffle - tant dans le domaine du prêt-à-porter que de la haute-couture - et son engagement constant à nourrir l'art et la créativité au-delà de sa mission de mode. Le dernier exemple en date est Re-Signify Valentino Part II, une exposition qui vient d'arriver dans l'espace du centre commercial de luxe SKP à Pékin. Réunissant des looks des dernières collections de haute couture de Valentino et des œuvres d'artistes aussi divers que Nick Knight, la créatrice Caroline Hu et l'artiste numérique Cao Fei, elle explore l'intertexte poétique partagé entre les disciplines créatives qui informe l'éthique créative de la maison. À voir absolument si vous êtes en ville ! MS

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Image courtesy of Farfetch

Les prochains classiques de votre garde-robe viendront de chez Farfetch

Farfetch, notre destination préférée pour faire défiler les articles de luxe des boutiques de plus de 50 pays différents, vient de lancer sa propre ligne, There Was One. Oui, l'e-tailer a commencé à proposer ses propres créations, intelligemment regroupées à partir de données indiquant ce que ses acheteurs recherchent activement sur le site. L'idée, semble-t-il, est de proposer des classiques de la garde-robe qui ne se démodent jamais et qui sont étonnamment difficiles à trouver (croyez-en l'expérience de quelqu'un qui a déjà passé une journée à parcourir les magasins à la recherche du parfait gilet blanc). Pensez aux robes fourreau en soie bleu nuit, aux chemises en soie surdimensionnées, aux blousons de motard en denim et en cuir, aux leggings à fermeture éclair flatteurs et à la parfaite little black dress en jersey. En d'autres termes, des vêtements sûrs à porter les jours où vous ne savez pas quoi mettre. Qui plus est, la ligne est un partenariat avec New Guards Group, le conglomérat italien de labels streetwear qu'il a acquis en 2019 pour 675 millions de dollars, et qui comprend désormais Off-White, Heron Preston, Opening Ceremony et Palm Angels. Et encore mieux, il met en pratique les recherches de Farfetch sur la durabilité, en utilisant des matériaux tels que la viscose fabriquée à partir de bois et de pâte à papier provenant de forêts gérées de manière responsable, ainsi que du nylon recyclé et traité avec un revêtement hydrofuge sans PFC. Votre prochain achat de fin de soirée sera beaucoup plus déculpabilisant. OA

Bottega Veneta s'empare de Shoreditch…

Oubliez Mayfair, il y a une nouvelle destination de shopping de luxe à Londres, Shoreditch ! Si la présence de Browns, d'un Soho House et de l'emplacement temporaire de Gucci n'a pas suffi à vous convaincre, la dernière arrivée dans le quartier le fera. Cette semaine, Bottega Veneta a débarqué avec fracas, s'installant dans un espace industriel caverneux au 6 Redchurch Street. Proposant une gamme complète d'accessoires, de chaussures, de lunettes et de prêt-à-porter, son arrivée signifie que les fans de la maison habitant l'est de Londres - et ils sont nombreux, comme le confirme un rapide tour de London Fields - n'auront plus à se déplacer jusqu'au centre pour acheter une nouvelle paire de bottes Puddle ou un sac Cassette. En l'état actuel des choses, le nouvel emplacement sera ouvert jusqu'à Noël, mais qui sait, s'il connaît un succès suffisant, il pourrait bien rester dans les parages. Alors vous savez quoi faire : sortez et faites du shopping !

…et Detroit !

Mais attendez ! Encore Bottega ? Mon Dieu, on vous gâte vraiment, n'est-ce pas ? Enfin, je suppose que c'est eux qui vous gâtent ! Hier soir, la maison milanaise a organisé le dernier de ses salons itinérants dans l'une des capitales culturelles les plus importantes des États-Unis. New York ? Pas du tout ! Nous parlons de Détroit, le foyer spirituel des véhicules à moteur, de la Motown et de la techno, où Daniel Lee et son équipe se sont rendus pour la dernière d'une série de présentations hors du commun qui ont eu lieu à Londres et à Berlin. En présence d'une brochette de célébrités, comme on pouvait s'y attendre - dont Mary J. Blige dans une étole en fausse queue de renard cramoisie et Lil' Kim dans un look brodé de plumes de coq pourpre royal - les vêtements présentés dans l'historique Michigan Theatre se résumaient à une ode à un avenir progressiste et joyeux - et n'avons-nous pas tous besoin d'un avenir radieux ?

Il y avait un côté ludique indéniablement - des parkas spacieuses étaient câblées avec du fil métallique, permettant au client d'écraser et de déformer le tissu dans des formes statiques et inattendues. Les robes tissées à partir de perles, de coquillages et de fils de caoutchouc donnaient une impression de toucher proche de celle d'un jouet, tandis que les pantalons à ourlet au carreau suggéraient une sensualité sportive, contrebalancée par les louches twinsets en tricot festonné qui faisaient partie de l'offre masculine. Il y avait, bien sûr, une série de looks clinquants que l'on attend d'une marque ayant le pouvoir de starification de Bottega - pensez aux robes à paillettes chatoyantes et aux manteaux en fausse fourrure imposants. Dans l'ensemble, cependant, on a eu l'impression d'assister à un traité progressif sur l'habillement luxueux et fonctionnel, agrémenté du glamour et de la sophistication technique que nous aimons voir.

Mais tout cela n'était pas qu'une simple visite de passage à Motor City - non, non ! En fait, Bottega restera dans la plus grande ville du Michigan jusqu'au 22 janvier 2022. Comment ? Par le biais de Bottega Firehouse, un espace commercial créatif situé dans le quartier de Corktown. Plus qu'un endroit où vider vos portefeuilles et repartir en emportant vos gros sacs verts, il servira également de plaque tournante pour la communauté créative de la ville, accueillant un magasin de disques de l'Underground Music Academy, une salle de lecture d'Asmaa Walton, des œuvres de design de Chris Schanck et Aratani Fay, des textiles de Substudio, des meubles de Donut Shop, des céramiques de Hamtramck Ceramck, des sculptures en relief de Sophie Eisner et une sélection d'imprimés organisée par Ruben Cardenas, entre autres. Put your hands up pour Detroit ! MS

Marques' Almeida célèbre les jeunes créateurs portugais

Les filles de M'A, réjouissez-vous ! Ah, cela fait un moment que votre duo portugais préféré n'a pas été vu sur les podiums, mais après une longue attente, Marques' Almeida est de retour juste à temps pour célébrer son 10e anniversaire. En organisant un défilé à Porto au lieu de leur ville habituelle de Londres, Marta Marques et Paolo Almeida sont revenus avec les styles M'A qui les caractérisent : les robes fourreaux garnies de plumes, le denim effiloché, les teintures saturées et les nuages de shearling et de cuir métallique. Mais il y avait un changement qui allait au-delà d'un simple changement de lieu - c'était un défilé qui était inclusif jusqu'au bout. Les fans de la marque savent que les défilés de Marques Almeida ont toujours été des défilés de rue, mais la composition de leur défilé de retour au pays mettait en vedette un large éventail de tailles, de formes, de sexes, de capacités physiques et d'âges. Plus que cela, la collection était inclusive dans ses moindres détails. Marta et Paolo ont invité plusieurs jeunes créateurs à contribuer à la collection, en s'inspirant de leur savoir-faire et de leurs idées - et en les rémunérant et en les créditant pour cela.

Les tricots en toile d'araignée de Nani Campos, fabriqués à partir de bandes de matériaux de deadstock, sont devenus des robes colorées et sexy qui effleurent le sol. Marcelo Almiscarado, que Marta et Paolo ont découvert lorsqu'ils ont siégé au jury d'un prix de mode portugais, a créé des fleurs crochetées à la main qui sont apparues sur une robe tunique blanche comme un coussin. Certains looks comportaient des chaînes en céramique de l'artiste queer non binaire Rebeca Letras, qui associe la poterie à l'art de la performance et réalise des sculptures à partir de déchets qui font la satire de l'industrie de la mode. Ailleurs, les sacs collés de Susana Santos ajoutaient à la sensation kaléidoscopique des couleurs et des textures vibrantes, tandis que les capes flottantes de José Viera ajoutaient au drame et que les broderies de stock mort de Patricia Tila faisaient allusion à la pratique du bricolage consistant à réparer et à refaire de vieux vêtements avec des détails joyeux. Il va sans dire que chacun de ces jeunes créatifs travaille intrinsèquement avec l'upcycling et l'innovation - et cela ne pourrait pas être un meilleur reflet d'un label qui a toujours eu la culture jeune au cœur. C'est ainsi que l'on termine une décennie en beauté ! OA

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Self-portrait in armour, Polina Osipova, 2020. Image courtesy of Anastasiia Fedorova

L'artiste qui donne un coup de jeune à l'artisanat russe traditionnel

La broderie n'est pas nécessairement un artisanat que l'on associe instinctivement à l'art contemporain d'avant-garde, mais Polina Osipova, de Saint-Pétersbourg, s'efforce à changer les choses. S'inspirant de l'artisanat et des coutumes vestimentaires des habitants de sa Tchouvachie natale, une république de l'ouest de la Russie, l'œuvre de cette artiste autodidacte reformule les récits visuels traditionnels autour de son héritage par le biais d'autoportraits saisissants, de riffs sur des vêtements folkloriques et de bijoux créés à partir de matériaux tels que des perles et des pièces d'argent. Aussi complexe et artisanal que soit son travail, il a trouvé un écho particulier sur Instagram, où il a attiré l'attention d'Anastasiia Fedorova, créatrice londonienne, qui a organisé une exposition des œuvres de Polina à la Hoxton Gallery, dans l'est de Londres, à l'occasion de l'obtention récente du prix annuel Cothinkers par l'artiste. "Il s'agit toujours d'une combinaison, d'un hybride". Du 27 au 30 octobre, Prix annuel Cothinkers : Spotlight Polina Osipova est une exposition à ne pas manquer. Avant son ouverture, Anastasiia nous a expliqué pourquoi Polina est une artiste que vous devez connaître. MS

Qu'est-ce qui a attiré votre attention dans l'œuvre de Polina ?

J'ai découvert le travail de Polina, comme la plupart des gens, sur Instagram - j'adore la façon dont elle incorpore tant d'éléments dans son univers : photographie, archives familiales, selfies, sculptures, contes populaires, costumes traditionnels de sa Tchouvachie natale, animation numérique. On a l'impression qu'elle a cette touche magique qui transforme des objets et des savoir-faire artisanaux en histoires très contemporaines.

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Misha, Атӑл series, Polina Osipova, 2021. Image courtesy of Anastasiia Fedorova

Qu'est-ce qui rend le patrimoine artisanal du peuple tchouvache si particulier ?

Les vêtements traditionnels tchouvaches pour les femmes intègrent souvent de grandes quantités de pièces d'argent. Ressemblant à une balance ou une armure en argent, ces pièces peuvent donner lieu à des costumes pesant jusqu'à trente kilos. Dans le travail de Polina, elles représentent la beauté, l'histoire, la perte, les légendes des anciennes guerrières qui vivaient autrefois près de la Volga, et le lien avec une puissante ascendance féminine.

La tradition de la broderie est également très importante pour la culture tchouvache. Selon Polina, toutes les femmes tchouvaches savent broder - "c'est comme respirer", dit-elle. Elle a appris cette technique dans son enfance auprès des femmes de sa famille, et c'est une source de lien fort avec son passé - elle a même retravaillé certaines broderies originales réalisées par sa grand-mère dans de nouvelles œuvres, ce qui crée une sorte de collaboration transgénérationnelle.

D'après vous, qu'est-ce qui rend l'engagement de Polina envers la robe et la parure si particulier dans son travail ?

Je pense que c'est une combinaison de quelque chose de ludique et de performatif, mais aussi une authenticité qui provient de l'histoire et de l'expérience de Polina. Pour elle, le savoir-faire et l'artisanat sont des choses auxquelles elle est très liée sur le plan émotionnel et un moyen naturel d'expression de soi, ce qui est rare dans notre monde très numérisé.

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Photography Adama Jalloh. Image courtesy of Georgina Johnson

Georgina Johnson revient avec une deuxième édition de The Slow Grind

Lorsque Georgina Johnson a publié The Slow Grind : Finding Our Way Back To Creative Balance en juin dernier, l'ouvrage a trouvé un large écho. Appelant à repenser les paradigmes dans lesquels nous interagissons, travaillons et créons, il rassemblait des entretiens, des essais et des méditations autour du thème de l'environnementalisme intersectionnel, provenant d'un groupe de contributeurs issus des communautés créatives et scientifiques - dont la designer Bethany Williams, le créateur d'images Campbell Addy et la fondatrice de Fashion Revolution, Orsola de Castro. Explorant l'inégalité systémique, l’ouvrage a mis en lumière la nature interconnectée de bon nombre des problèmes existentiels clés auxquels nous sommes actuellement confrontés - le mélange toxique de l'accélération due au capital, du racisme, de l'oppression de classe et de la destruction de l'environnement. Un peu plus d'un an après, la créative - qui compte le stylisme, l'édition et l'animation de podcasts parmi les cordes de son arc - sort aujourd'hui un deuxième tirage du livre, soutenu par la maison de mode britannique Mulberry. Elle nous parle ici des principes fondamentaux de The Slow Grind, de sa nouvelle appréciation pour son propre travail et de ses projets pour l'avenir du projet. MS

Qu'est-ce qui a entraîné le deuxième tirage du livre ?

Et bien, grâce à la subvention pour l'édition que nous avons reçue de Mulberry, nous avons pu compenser toutes les émissions de carbone du projet par un projet de boisement au Nicaragua, qui permet aux communautés de réinvestir leur imagination et leur éducation dans des domaines tels que la sauvegarde de la forêt tropicale. C'était vraiment passionnant, car cela nous a donné l'occasion de vivre les valeurs du projet et de garantir sa longévité au-delà de l'architecture physique du livre. L'idée de longévité est également essentielle au projet, et lorsque nous avons entamé cette conversation avec Mulberry, j'ai été très explicite sur le fait qu'il ne pouvait s'agir d'un événement ponctuel. La mode a l'habitude de ne faire participer les Noirs qu'à des périodes comme le Mois de l'histoire des Noirs, et c'est quelque chose que j'ai remarqué avec le Black Futures Pledge - cette année, lorsque j'ai contacté les marques à ce sujet, il y a eu beaucoup plus de réserves et d'hésitations que l'année dernière. Pour que cela ne soit pas symbolique, il faut un engagement à long terme. Je veux avoir au moins trois livres dans la série, dont le deuxième que je vais commencer à composer pour l'année prochaine. Eh bien, j'ai en quelque sorte fait cela cette année en arrière-plan, car j'ai enregistré un podcast avec un groupe incroyable de femmes travaillant à l'intersection de l'art et de la science, notamment Mariana Pestana, Gabriella De Cruz, Sumayya Vally et Alexandra Daisy Ginsberg.

Comment le projet a-t-il été accueilli depuis son lancement il y a un an ? Y a-t-il eu des réactions marquantes ?

J'ai été très impressionné par une femme d'Australie qui m'a envoyé un mail. Elle est atteinte du syndrome d'Asperger et m'a dit que c'était le premier livre en trois ans qu'elle avait pu lire du début à la fin. En termes de conception accessible, nous ne pensons pas vraiment à l'édition. Je suis moi-même dyslexique et je trouve qu'il est beaucoup plus facile de lire sur du papier de couleur, c'est pourquoi il n'y a pas de texte en noir sur blanc dans le livre. Je voulais aussi que les gens se sentent détendus en lisant, c'est pourquoi les pages sont lilas et les pages intérieures de la couverture sont jaune vif, ce qui vous encourage à être attentif dès l'ouverture du livre. Sa réponse montre que l'investissement dans l'accessibilité du texte a porté ses fruits. J'ai également reçu une citation de l'artiste Pari Ehsan, que j'ai trouvée incroyable. Elle a déclaré : "The Slow Grind est une offre de pénétrer dans l'esprit et les intentions d'une brillante sélection de contributeurs. À travers eux, vous trouverez une carte interprétative des champs fertiles. Ce livre est un précieux récipient vivant qui rend hommage au processus et prend note du contexte. Il nous demande d'élargir nos visions et de toujours rechercher l'image complète." Entendre cela est incroyablement spécial, et me donne vraiment envie de poursuivre le projet.

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Photography Adama Jalloh. Image courtesy of Georgina Johnson

Votre relation personnelle avec le projet a-t-elle changé au cours de l'année ?

J'ai définitivement une relation différente avec le projet. Dans mon essai à la fin du livre, je parle de mes expériences d'étude et de travail dans l'industrie, et de la façon dont toutes ces choses ont contribué à ma mauvaise santé mentale. Après une période particulièrement difficile à la fin de l'année dernière, après le premier tirage, que j'ai d'abord prise pour un épisode dépressif, j'ai compris qu'il s'agissait d'un épisode maniaque et j'ai reçu un diagnostic de trouble bipolaire. Je ne veux pas faire passer le message qu'il faut avoir un diagnostic pour se sentir mal, mais dans mon cas, je vois maintenant que mon corps réagissait à un système et à une pratique d'accélération que certaines personnes peuvent gérer, mais qui ne fonctionne pas pour moi. Et c'est très bien ainsi ! Dans le même essai, je parle aussi beaucoup des sentiments d'échec et de honte - étant antillaise, j'ai toujours eu honte d'avoir des problèmes de santé mentale, car ce n'est pas quelque chose dont on parle vraiment dans notre communauté. Et c'est encore plus vrai quand vous êtes dans un secteur qui est censé être tout en papillons, paillettes et licornes. Les gens demandent : pourquoi être contrarié quand on a tout ça ? Aujourd'hui, cependant, j'ai beaucoup d'affection pour ce projet. Et en voyant l'accueil qu'il a reçu, je me sens beaucoup plus fier d'être capable de le ressortir.

Pourriez-vous nous parler un peu des principes du Slow Grind que vous avez ajoutés dans cette deuxième version ?

Bien sûr, les voici :

  • Aborder une histoire et un héritage de destruction et d'oppression.
  • Développer des réponses et des idées qui sont réparatrices, régénératrices et imaginatives.
  • Considérer les problèmes interconnectés du climat et de la justice sociale à travers le prisme de la créativité.
  • Placer la sauvegarde de nous-mêmes et du monde naturel au-dessus de tout. 
  • Explorer des idées qui proposent des alternatives à notre condition actuelle.

C'est quelque chose que j'ai vraiment compris en termes concrets après mon expérience de la fin de l'année dernière, en fait. Même si je comprenais les questions relatives à l'environnementalisme intersectionnel et la façon dont toutes ces choses étaient liées, je pense que, pour continuer à le rendre accessible, il fallait l'ancrer dans ces principes tangibles, afin que les gens puissent comprendre ce que sont ces intersections. Il s'agissait vraiment de faire un pas en avant, de continuer à rendre le sujet accessible et de faire comprendre le "pourquoi" de la chose. Je pense que pour avoir de l'intégrité dans le travail que vous faites, il est incroyablement important de se rappeler constamment pourquoi vous le faites.

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Photography Edvinas Bruzas. Image courtesy of Georgina Johnson
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