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De la “A” a la “B” vía Alexandra Bachzetsis

Con performances como, Gold (2004), A Piece Danced Alone (2012) y The Stages of Staging (2013), Alexandra se adentra en los gestos reconocibles de la cultura pop masiva haciendo referencia a canciones populares de Missy Elliott o Madonna, integrándolas...

por Cheryl Santos
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14 Noviembre 2014, 1:05am

Yvonne Venegas

Con performances como, Gold (2004), A Piece Danced Alone (2012) y The Stages of Staging (2013), Alexandra se adentra en los gestos reconocibles de la cultura pop masiva haciendo referencia a canciones populares de Missy Elliott o Madonna, integrándolas a su particular investigación de técnicas coreográficas, arte y el comportamiento escénico, para hacer un comentario sobre la percepción del cuerpo femenino, la industria del sexo y como reflejamos nuestra propia persona en la sociedad moderna.

La primera vez que vi un performance de Alexandra Bachzetsis fue a través de una pantalla, -algo que la artista no considera la mejor forma de interactuar con su obra- pero hasta su reciente visita a México este mes, en el Museo Jumex, no había podido coincidir en un espacio físico con ella. Para la también coreógrafa suiza es imperante la interacción con el público, ese intercambio íntimo de primer nivel que para ella es exclusivo de la presencia física. Alexandra Bachzetsis ha tenido una corta, pero impresionante carrera en el arte, desde 2003 ha producido y presentado independientemente su propio trabajo de performance en galerías, teatros y museos.

Su nueva pieza, A to B via C (2014), presentada en el Museo Jumex a principios de noviembre, es un deleite de movimientos prestados, de la imitación y réplica de gestos que busca la asimilación del lenguaje y ve al cuerpo como un espejo de lo que le sucede alrededor. Durante el performance se plantean diversos escenarios: un salón de ballet, un monólogo frente a una cámara, y un tutorial de baile en línea. Todo se centra en cómo llegamos a asumir una nueva identidad conforme al lenguaje del cuerpo ajeno y al espacio en el que interactuamos... con No Doubt de fondo.

¿Cómo te habla el caos de la Ciudad de México? Me gusta muchísimo, lo encuentro un lugar muy inspirador. Amo que el caos se encuentre con lo exótico, aquí nada es ordinario.

¿Esperas algo de la audiencia mexicana? Nunca espero nada de mi audiencia, pienso que es más acerca de establecer un diálogo con ellos, estoy más interesada en el intercambio o la comunicación. De hecho me da curiosidad, la vez pasada tuve una audiencia increíble en kurimanzutto, fue impresionante conocer a la interesante comunidad artística de DF. Definitivamente pienso que la presencia mexicana es una audiencia desafiante.

Precisamente el Museo Jumex está inmerso en este caos ¿cómo te sientes presentándote en este nuevo espacio? 

Es muy interesante en relación al trabajo que voy a presentar aquí, A to B via C, el cual lidia con las cuestiones del lenguaje y el cuerpo, las capacidades de comunicación conforme a los nuevos medios, y el cómo interactuamos entre nosotros. El proceso de investigación de esta pieza vino de tutoriales en línea: aprendes algo de una computadora y te conviertes en otra persona por como te apropias de esas estrategias y comienzas a personificarlas. Es acerca de la imitación de imágenes, proyecciones y superficies, así que en este sentido creo que es interesante estar rodeado de esta arquitectura, de estos alocados edificios; estos elementos de alguna manera te marcan como ser humano por estar en medio de este contexto y creo que eso es muy interesante y es parte de la investigación básica de mi trabajo.

Hoy en día el performance no tiene que ser tradicionalmente presencial, como tu pieza para el Performance Room del Tate Modern... Sí, eso sucedió principalmente por Catherine Wood, ella cura la serie de Performance Room y me comisionó una pieza, al principio yo me resistí como por dos años porque no sentía que una audiencia que no estuviera en vivo existiera realmente, me gusta interactuar con mi audiencia y estar presente al mismo tiempo que ellos. Pero después lo pensé un poco más y finalmente llegué a la conclusión de que es una forma muy atrayente si la usas exactamente por lo que es, si te apropias de ella exactamente conforme a esos parámetros presenciales.

¿Y por eso usaste tutoriales en línea para tu investigación de A to B via CQuise hacer tres versiones de esta pieza: una para el teatro, una para el museo (la cuál es la que se verá aquí el Museo Jumex) y una en línea. Decidí hacer un tutorial en línea que funcionara especialmente para el Tate Modern y como un cuerpo de trabajo más extenso. Esto surgió por nuestra investigación, estuvimos viendo muchos tutoriales de todo tipo de géneros. Mi interés principal es el porqué la gente quiere compartir algo tan íntimo y personal con el resto del mundo o el porqué nos volvemos superficies que proyectan, que necesitan comunicarse de alguna manera a través de esta realidad. Nos adentramos mucho en crear coreografías a través de estos tutoriales, los reinterpretamos, los pasamos entre nosotros y nos los volvimos a enseñar, aprendiendo uno del otro a través de la experiencia en línea. Al compartirlos entre nosotros se traducen y transforman y puedes ver esos elementos en el performance.

¿Cuál fue tu tutorial favorito? Jajaja ¿Del cuál aprender? Hay cosas tan locas, no podría decir cuál fue mi favorito. Buscamos en videos viejos de aerobics de Jane Fonda, videos esotéricos de maestros de Tai Chi, hasta adolescentes japonesas que te enseñan a maquillarte como una muñeca, también en reality shows que tratan de la vida online y lo que ocurre en la vida de alguien en este preciso momento. Nunca realmente sabes si es real o falso y que tanto está gente se convierte en lo que creen.

Aunque te resististe a ella, el Internet es una audiencia enorme... Es asombroso que tan grande realmente es. Por ejemplo, para la pieza del Tate tuvimos miles de personas viendo el stream... ¡o sea nunca en mi vida me he presentado frente a mil personas al mismo tiempo! Es extrañamente íntimo y muy vouyerista hacer algo frente a la cámara que transmite directamente en línea, y al mismo tiempo sabes que llegas a mucha gente. Es una experiencia distinta, pero no es como que ahora solo haré trabajo online, me interesa la comunicación de primer nivel.

Háblame del traje de músculos y del cuerpo que no tiene huesos. Estábamos estudiando películas de Discovery Channel con el tema del pulpo y como mueve sus tentáculos gracias a un muy elaborado mecanismo. Entonces, estaba pensando en esta idea utópica de un cuerpo humano sin huesos, que por supuesto no es posible, pero como una completa fantasía para poder apropiarme de ese movimiento. Lo estuvimos estudiando y practicando, comenzamos a movernos como pulpos relacionando nuestro cuerpo en un espacio y viendo como este se movía al contacto de otros cuerpos; seguimos lo más que pudimos la idea de un humano tratando de convertirse en un pulpo. Los trajes de músculos fueron una buena respuesta a estas cuestiones del esqueleto inexistente y cómo se relaciona con las superficies, además es un traje hecho con un estampado digital, un vestuario un tanto de moda que se vuelve bastante raro si lo ves por un rato, es hipnotizante. Me interesa mezclar realidades y ver lo que pasa cuando vas un poco más allá de la respuesta obvia.

¿Cómo escoges con quién hacer equipo? Escojo gente muy intuitivamente. La química es lo principal, también estar ahí en el momento y el lugar correcto y luego los escojo por sus habilidades, capacidad y su curiosidad. Muchas veces la gente se acerca a mí y me dice "realmente quiero trabajar contigo, ¿podemos hacer algo juntos?" y si tengo el dinero claro, si no lo dejo para el futuro. Por muchos años trabajé con amigos, pero ya no es posible, necesitas pagarle a la gente apropiadamente, además de que ellos tienen su visión y trabajo propio. Es una situación conflictiva, así que ya no trabajo con amigos, digo, es un trabajo tan íntimo que te vuelves amiga de la gente con la que trabajas y pero aún así conservas esa relación profesional que con amigos no podrías.

Entonces está pieza no surge de la amistad. No, para esta hice un casting con dos bailarines que han trabajado conmigo en distintos proyectos, Gabriel Schenker y Anne Pajunen. Mi selección es muy curiosa en cuanto a las similitudes entre nosotros. Anne y yo compartimos una rara semejanza, físicamente somos parecidas pero de tipos muy distintos: ella es super rubia y yo tengo chinos oscuros jajaja. Y luego está Gabriel, que se ve como si pudiera ser mi hermano, y al mismo tiempo comparte un historial con Anne (ellos estudiaron en el mismo lugar), y puedes sentir en el lenguaje de sus movimientos que tienen algún tipo de relación también. Entonces tenemos este cruce de vínculos que funcionan muy bien.

Para el equipo artístico está Cosima Gadient que hizo el vestuario, ella es una joven diseñadora de moda, era una de mis estudiantes cuando enseñaba en el Fashion Institute de Basilea; a Cosima la considero súper talentosa y le pedí me asistiera en The Stages of Staging, quedé muy contenta con su contribución y le pedí estuviera de lleno para esta pieza. Luego está Hendrik Folkerts que es el curador de investigación. Es realmente hermoso como trabajamos juntos, porque compartimos ideas, tenemos este diálogo dinámico y desarrollamos estrategias que se vuelven coreografías. Y es así como funciona, si tiene sentido trabajar en conjunto, lo mejor es que hagamos algo mucho más grande..

Tú enseñando moda suena como una era lejana... Jajaja no... creo que la moda es un precedente que se relaciona con mi trabajo, pero nunca quise convertirme en diseñadora de moda porque siento que no podría entrar a esa industria como yo misma, pero me interesa mucho este fenómeno de tendencias fugaces que manipulan al público...

Entonces, ¿la apropiación comercial que la moda tiene para con las tendencias no te habla? Trato de mantenerme muy lejos de los mecanismos del mercado de la moda en ese sentido. Me interesa más el espacio imaginario que ofrece y el concepto que pueda traer consigo. Enseñé performance y presentación en el departamento de moda, la conciencia del aspecto físico dentro de la moda. Preparaba a jóvenes diseñadores a cómo llevar su propia identidad, su propia experiencia como persona, porque siempre tienes que vender lo que eres o cómo esto se refleja en tu colección. Los ayudaba encontrar estrategias para que pudieran presentar lo mejor de ellos y enseñarles otras maneras de mostrar moda que no sea en una pasarela...

Las canciones pop mainstream son algo elemental en tus piezas ¿qué has estado escuchando últimamente?... Las canciones pop que precisamente aparecen en mi trabajo es porque tuve que aprenderlas de memoria, jajaja. Digo, existe la referencia pop en mi trabajo porque trabajamos fuertemente con la idea del lenguaje y las traducciones. Usamos el lenguaje de señas americano para traducir canciones porque es algo que aparece mucho en Internet, tienes a toda esta gente que quiere expresar su canción favorita a una audiencia más grande, y toman cualquier canción y la traducen en señas, es muy interesante y conmovedor. También es una referencia histórica porque Pina Bausch hizo esto para una de sus piezas, The Man I Love, entonces tengo estas referencias de baile y pop que se fusionan la una con la otra como un ejemplo interesante, pero en realidad no podría decirte que es lo que principalmente he estado escuchando, podrían ser muchas cosas....

¿Cómo escoges la canción pop usar? Las escojo en relación a una idea muy específica que necesito expresar, tienen que ser super contemporáneas porque quiero hablar de algo actual, ya sabes, como están las cosas hoy en día, qué está sucediendo, qué es lo que la gente ha estado escuchando. También por las letras y lo que representan, por la emoción que evocan cuando las escuchas. De hecho no estoy muy interesada en la cultura pop contemporánea en mi gusto personal, sino más como un fenómeno.

¿Por cuánto tiempo vas a estar de tour con A to B via CRealmente no sé esas cosas. Estamos de tour con esta pieza y otras más que hice, pero nunca sabes cuanta vida tendrán. Mi pieza Gold, que presenté aquí en kurimanzutto la hice por 10 años, y A Piece Danced Alone, he estado en tour con ella por tres años, muy intensamente. Y como esta pieza es nueva, no lo sabemos, pero tenemos fechas muy interesantes próximamente, entonces veremos que sucede.

Credits


Fotografía Yvonne Venegas