10 artistas de salón acme 2016

Salón Acme funciona por convocatoria, lo que hace que su consejo -conformado por curadores y artistas de alta trayectoria- puedan elegir de forma neutral y enfocados únicamente en su propuesta, a los artistas que exponen durante la semana del arte de...

por i-D Team
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15 Febrero 2016, 5:00am

Alejandro 'Luperca' Morales
25 años, 
Ciudad Juárez

Lugar donde vives: Ciudad Juárez
¿Por qué decidiste participar en Salón Acme?
El año pasado me tocó curar al Estado invitado (Chihuahua), desde el proceso de selección hasta el montaje y venta noté una gran oportunidad para dar a conocer tu trabajo no solo durante la feria sino en sus proyectos alternos en NY, Colombia o Bélgica, en donde se puede vender obra a un precio accesible y el artista se lleva la mayor parte.
¿Qué pieza estás exponiendo y cuál es la historia de la misma?
Una serie de 6 periódicos intervenidos y residuos de borrador. Un proceso de desaparición de cadáveres remitidos a la narco-violencia que día a día aparecen en los periódicos de Ciudad Juárez. El procedimiento de borradura es un proceso manual que se aleja de la lógica de producción masiva, otorgando el tiempo y cuidado necesario para cada imagen. La acumulación de residuos que se obtienen al borrar estos cuerpos crea una metáfora de la ceniza; con lo cual pretendo otorgar una oportunidad de luto, una última imagen; una forma más digna de muerte. El proyecto cuestiona los modos de ver, el derecho a la libertad de expresión y las estrategias de conciliación desde la imagen ante la violencia espectacular que se ve en el Estado de Chihuahua.
¿Qué técnicas sueles utilizar?
La intervención directa a las imágenes que circulan en el espacio público.
Platícanos de una pieza en la que estés trabajando actualmente:
Mata ain't Matta. Una serie de intervenciones a la cerámica regional de Juan Mata Ortiz, cerca de Casas Grandes, Chihuahua en donde se pone en entredicho la relación entre lo tradicional y lo contemporáneo en la comunidad fronteriza.
¿Cuál dirías que es la temática de tu obra?
El estudio de la narcomáquina, el cuerpo como archivo y la pornomiseria.
¿Tienes alguna otra pieza o artista que esté en Salón Acme que te haya gustado mucho, cuál y por qué?
Las esculturas de Miriam Salado que hablan del Olneya Tesota (Palo fierro) y su relación con la explotación no solo ambiental sino de la identidad regional, se presentaron en el Estado invitado.
¿Aparte de ser artista tienes otra profesión o proyecto?
Me desarrollo principalmente en la curaduría y producción. Actualmente trabajo en proyectosimpala.com una Biblioteca/Galería Móvil sin fines de lucro en Ciudad Juárez que inaugurará con un proyecto de cuartos de motel en Cali, Colombia del fotógrafo Kurt Hollander. Posteriormente tendremos a artistas como Francis Alys, Tania Candiani y Julio César Morales.

Tatyana Zambrano
33 años, Medellín, Colombia.

Lugar donde vives: Ciudad de México
¿Por qué decidiste participar en Salón Acme?
La verdad es que el año pasado visité Acme 2015 y me gustaron las piezas que vi. Esto y además el formato que tiene durante el tiempo de las Ferias.
¿Qué pieza estás exponiendo y cuál es la historia de la misma?
Es un video de 1minuto 34 seg que se llama "Glitch clutch" y es grabado en Taxco México. Se trata de unos "vochos" blancos que hacen toda una maniobra en una esquina. Es una situación que a primera vista parece programada, pero revela su carácter espontáneo, mostrando lo extraordinario en lo ordinario de la condición repetitiva del trabajo.
¿Qué técnicas sueles utilizar?
Trato de trabajar con lo que tengo en la casa y con lo que está más a la mano, pero la cámara se vuelve fundamental, trato de cargar algún dispositivo para registrar audios, videos, etc. No muchas veces lo hago yo, sino Roberto Ochoa, llevamos trabajando juntos hace algunos años, él sabe manejar la cámara mejor que yo y qué quiero mostrar y lo que me interesa. Hablamos mucho antes de empezar a trabajar, eso ayuda bastante. Por lo general intento pensar en ideas que se puedan desarrollar en video, pero también me gusta hacer cerámica. Son muchas las posibilidades y las técnicas en la actualidad, creo que hay que confrontar la técnica y por qué no hasta ridiculizarla.
Platícanos de una pieza en la que estés trabajando actualmente:
Estoy trabajando en un video que se llama "Retrato del artista adolescente" Es un video video clip que consta de 3 capítulos. El guión es realizado a partir de una serie de chats, entrevistas, conversaciones con tutores, curadores, amigos, etc. con la idea de presentar mi propio Retrato del artista adolescente aludiendo a la novela de James Joyce "A Portrait of the Artist as a Young Man" que está narrada en forma de stream of consciousness, en la que el narrador habla de sus pensamientos al azar, retratando las luchas de un joven sensible en contra de las convenciones de la sociedad burguesa
¿Cuál dirías que es la temática de tu obra?
Trato de prestarle bastante atención a los baches cotidianos, donde se originan los detonantes de mi trabajo, lo mismo con las insignificancias de la vida, los pensamientos ridículos y por ejemplo pensar cómo puedo mirar una palmera políticamente
Aparte de ser artista, ¿tienes otra profesión o proyecto?
SÍ, hago páginas web, soy publicista y también he sido profesora.

Paula Cortazar
24 años, 
Nuevo León, Monterrey.

¿Por qué decidiste participar en Salón Acme?
Pienso que es una plataforma que muestra de manera exitosa el trabajo que se está produciendo actualmente por artistas emergentes. Es una gran oportunidad ya que las propuestas pasan a través de un consejo curatorial conformado por artistas y curadores destacados. Además, la exposición toma lugar en la Ciudad de México dentro de la semana más visitada por un gran público interesado en el arte contemporáneo.
¿Qué pieza estás exponiendo y cuál es la historia de la misma?
En esta edición participé con tres piezas de la serie Líneas de caliza, en la cual intento resaltar un código natural que encuentro en la piedra caliza para así poder interpretarlo a través de la línea. Me interesa más tratar de leer la piedra en lugar de utilizarla como cualquier otro soporte, ya que la piedra tiene su propia voz y de esta manera busco descifrar su mensaje. Este tipo de piedra comúnmente se utiliza como materia prima para la elaboración del cemento. Sin embargo, esta vez quise hacerle un homenaje para agradecerle a ella y al cerro de donde se desprendió, por lo miles de hogares que se han construido gracias a ellos.
¿Qué técnicas sueles utilizar?
Trabajo principalmente con el dibujo, ya sea con lápiz, grabado, hilo o tinta. También he trabajado con la fotografía y la talla en piedra.
Platícanos de una pieza en la que estés trabajando actualmente:
He estado trabajando en dos piezas que se relacionan. La primera es un pliego de papel recortado en base a sus dobleces, mientras que la segunda reúne los recortes de la primera y están cosidos unos con otros.
¿Cuál dirías que es la temática de tu obra?
La naturaleza. A través de la observación, estoy en constante búsqueda de lo gráfico o lineal que se puede encontrar en nuestro entorno, en lo orgánico e inorgánico. Para mí es una manera de escuchar y de empatizar con el medio ambiente en un momento en el que mi vida cotidiana parece estar muy alejada de él. Con el dibujo intento encontrar una conexión con la tierra y con todas sus partes.
¿Tienes alguna otra pieza o artista que esté en Salón Acme que te haya gustado mucho, cuál y por qué?
Pienso que hubo muy buenas propuestas, pero una que llamó mi atención fue la pieza de Luisa Pastor. Ella presentó un collage de papel con mucha precisión formado por el empalme de pequeños recortes de hojas de facturas que finalmente creaban nuevos significados. La pieza me pareció interesante por su minuciosidad, pero también por la transformación poética de las palabras que se conectaban.
¿Hasta ahora que es lo más importante que te ha pasado gracias a tu participación en Salón Acme?
Haber sido seleccionada para esta cuarta edición ha sido un gran honor para mí. Nunca le habían dado tanta difusión a mi trabajo, lo cual hizo que varias personas me contactaran a través de distintos medios para conocer más sobre mi trabajo.  

Circe Irasema M. V.
28 años, Ciudad de México

¿Porqué decidiste participar en Acme?
Un amigo que había participado me paso la convocatoria, fue algo casual, me lo sugirió como una forma para darle salida de exhibición y venta de la obra , en ese momento estaba pensando sobre la posibilidad de gestionar o darle promoción al trabajo que estaba haciendo y no tenía idea de como hacerlo.
¿Qué pieza estás exponiendo y cuál es la historia de la misma?
Es un políptico conformado por 12 pequeños cuadros al óleo. La pieza se llama Caja de Knorr Suiza; 12 cúbitos de caldo de pollo y surgió como un derivado de otra obra que hice que se llamo Canasta Básica, una serie de comida envasada de marcas conocidas como Herdez, Jumex, De monte, etc. En un inicio pensé en representar una caja de Knorr tradicional como parte de la Canasta, pero luego decidí sacar los cubos de la caja para representar el contenido, así que pinte cada cubo con la noción de que todos fueran iguales como símbolo de esa producción industrial en serie que es completamente homogénea y contrapuntear con la imposibilidad de la pintura de reproducirse mecánicamente a la perfección, donde dicho proceso artesanal era hacer un esfuerzo óptico y manual que pone en crisis a su vez el concepto de unicidad del medio pictórico.
¿Qué técnicas sueles utilizar?
Más que técnicas, me centro en desarrollar la cualidad de los medios con los que trabajo, particularmente hago obra bidimensional. Mucha de la producción que tengo es Pintura y Dibujo, aunque no dejo de lado cosas como la gráfica, la instalación o el arte objeto. Por lo regular hago realismo, una especie de naturalismo que a veces cruza las fronteras con lo literal y preciosista, como una manera de apropiarse de los objetos y consumirlos con la mirada; sin embargo siempre trato de insertar un poco de ironía y toque nostálgico en mis temas a través de los títulos de las piezas, después de todo visualizo la ficha técnica como parte de la concepción de una obra. Adoro los polípticos, creo que es uno de los recursos más frecuentes en mi trabajo, es como contar una historia por actos.
Platícanos de una pieza en la que estés trabajando actualmente:
He estado trabajando con el tema de los Clásicos dentro de la esfera del consumo de artículos de uso diario y de comida chatarra. Actualmente trabajó en una serie de piezas alrededor de la campaña del Gansito Marinela y su eslogan (Recuérdame), así como con mascota del producto y su relación con los consumidores, en su mayoría niños (hoy adultos) correspondientes a una generación moldeada bajo un sello paternalista de la escena familiar en México en cierta época. La pieza prácticamente es un rizoma hecho por imágenes que cuentan una historia turbia sobre dicha publicidad y su éxito comercial.
¿Cuál dirías que es la temática de tu obra?
Identidad y Consumo. Literalmente, me interesa como el sistema de los objetos se arraiga de modo afectivo a las personas a través de su selección de artículos de uso común, específicamente con la comida y otros objetos perecederos que están destinados a desecharse. Los objetos significan cosas: son cosas. Y por triviales que parezcan, connotan aspectos significativos en la cotidianidad a través de su adquisición. Reflexiono mucho sobre cómo estos objetos son un lugar común, además de abordarlos como producciones masivas e industriales que sólo se vuelven relevantes al consumirlas; y en éste caso aún más al representarlas a través dela Pintura, subrayándolos como objetos preciosos por medio de la representación naturalista desprovista de adornos, donde los contenedores son más importantes que los contenidos.
¿Tienes alguna otra pieza o artista que esté en Salón Acme que te haya gustado mucho, cuál y por qué?
Hay muchas cosas que me gustan de Salón Acme, siempre veo trabajos muy interesantes y refrescantes, lo cual me parece emocionante. El año pasado vi por primera vez el trabajo de Aglae Cortés y de Jerónimo Reyes Retana cuyas obras fueron de mis favoritas, también me interesé muchísimo por el trabajo de Joshua Jobb con su video de "Pintura fresca", me parecieron propuestas muy atinadas con gran sencillez. Este año también hubo grandes cosas, la obra de Miguel Fernández de Castro, que ya había tenido la oportunidad de apreciar, junto con el trabajo de Paula Cortazar fueron mis focos de atención este año.
¿Aparte de ser artista tienes otra profesión o proyecto?
Dedico la mayor parte de mi tiempo a proyectos artísticos y/o culturales, de momento es mi única profesión

Miguel Ángel Camacho Velázquez
25 años, 
Cuidad de México.

Lugar donde vives: San Miguel Ajusco
¿Qué pieza estás exponiendo y cuál es la historia de la misma?
La obra lleva por título Pintura paisajista mexicana, es la recuperación de una escultura, el jueves 4 de julio del 2013 en San Pedro Nexapa situado en el Municipio de Amecameca, de dos bolsas de plástico de Walmart con 7.195 kg de cenizas del volcán Popocatepetl. Es una investigación y exploración a lo que es el título de una obra. Además de que se puedan generar reflexiones de la obra con Walmart como actual elemento dentro del paisaje, la bolsa de plástico (basura) recurrente indicio del contacto con el mismo, las cenizas volcánicas un elemento que destruye para construir aunado a que es un vestigio de uno de los motivos en la pintura paisajista mexicana (volcanes). Y poder pensarse como una enunciación al célebre paisajista "José María Velasco".
¿Qué técnicas sueles utilizar? 
La idea e información determinan el medio(s) que utilizare. Si es que puedo hablar de alguna técnica considero el Reflexionismo como la base de muchos de los procesos creativos que llevo acabo.
Platícanos de una pieza en la que estés trabajando actualmente:
Lleva por titulo Desayuno de una idea, en esta exploro el tiempo mediante las fechas de caducidad de una caja de Corn Flakes de Kellogg's y una cartón de leche, ambas tienen la fecha de caducidad del día que se me vino a la mente esta idea de qué pasaría si se celebrar´q el aniversario de la idea misma. Además de tomar decisiones como el que caja de cereal tenga un gallo como medidor natural del tiempo, así como la constante experimentación y accidente que envuelve la creación del mismo invento para obtener las hojuelas de cereal. Por otro lado la leche es un claro ejemplo de que el humano continua evolucionando. ¿El arte caduca o debe caducar? duda, problema, error; por lo tanto se propone una obra de arte que caduque.
¿Cuál dirías que es la temática de tu obra?
Llevo acabo una práctica conceptual compleja que es estimulada por errores, problemas, dudas que devine en investigaciones o qué pasaría si; es un desplazamiento continuo de los límites. Es internarme en un bosque y desplazarme con el bosque. Mis necesidades son espacio-temporales, aunque me gusta repensar el tiempo y en contar cosas.
¿Tienes alguna otra pieza o artista que esté en Salón Acme que te haya gustado mucho, cuál y por qué?
La obra de Sofia Hinojosa donde se celebra un contrato entre un lingüista y ella para dejar de decir dos palabras hasta que alguno de los incumpla el contrato o muera. Es hacer hacer visible el grado de compromiso que se asume con una idea/obra y una investigación sobre el lenguaje y la comunicación.

Alejandra Baltazares & Helena Hernández
30 y 32 años, 
Ciudad de México y Ensenada, B.C.

¿Lugar dónde viven? Berlín
¿Por qué decidieron participar en  Salón Acme?
Alejandra y Helena: Actualmente radicamos en la Ciudad de Berlín y estamos desarrollando obra que parte de experiencias en esta ciudad, por lo que buscamos oportunidades de exhibirla en nuestro propio país. Viviendo lejos, una manera de acceder a espacios es por medio de convocatorias.
¿Qué pieza están exponiendo y cuál es la historia de la misma?
Alejandra y Helena: Go vegan! Es parte de un proyecto más amplio llamado "I Buy Porn" que comenzó en una pequeña tienda de pornografía (disfrazada de librería) en Berlín justo debajo de la casa de Helena con la que dimos un tanto por casualidad. Empezamos a coleccionar y "curar" nuestras propias series de fotografías, en un principio por diversión junto con nuestra amiga y artista japonesa Arin. El lugar se fue convirtiendo en una fuente inagotable de proyectos. La tienda en sí junto con sus contenidos eclécticos, sus personajes, el polvo y sobre todo su apariencia sospechosa la hacen un lugar de un encanto muy especial difícil de resistir para un artista. Así nació en parte Go Vegan! un recetario que combina imágenes pornográficas encontradas en esta tienda, junto con ilustraciones y recetas veganas. En mi visión, Go Vegan! no es sólo el resultado de nuestra fascinación por los contenidos de la "tiendita porno", sino el reflejo y comentario de lo que hemos absorbido del lugar vivimos y su historia. Go Vegan! tiene un humor peculiar que tiene que ver con la tendencia cada vez mayor de llevar una vida "sana" pero también con la relación tan particular que tienen los alemanes con la sexualidad especialmente con la pornografía, un tema amplísimo y muy interesante de revisar. La idea de incluir ilustraciones científicas fue tratando de integrar la visión desde lo preciso, de las formas de simples vegetales y frutas como si se observaran en un libro. Al incluirlas jugamos dentro de un contexto de pornografía y pasaron a un plano sugerente. En este sentido, trabajamos con el ilustrador suizo Rafael Koller que es experto en ilustración científica y que junto con Helena realizaron las ilustraciones.
¿Qué técnicas suelen utilizar?
Alejandra: Yo trabajo a base de proyectos que combinan diferentes medios. Por lo general fotografía y video como registro.
Helena: Yo trabajo últimamente con dibujo, acuarela y texto. Mi trabajo también se desarrolla sobre proyecto y por eso creo que fue muy consonante la elaboración de esta pieza porque las dos la trabajamos como proyecto.
Platíquenos de una pieza en la que estén trabajando actualmente:
Alejandra: Estoy trabajando en un par de propuestas a partir de mi serie "Before & After" y continuando junto con Helena los proyectos derivados de I Buy Porn, por ejemplo Madonna Made in Germany un scrapbook que combina recortes de Madonna con revistas porno también encontrado en la tienda que pronto presentaremos en la feria del libro en Leipzig.
Helena: Estamos trabajando las dos en el libro de Madonna como Alejandra lo menciona y a la par estoy realizando un proyecto en conjunto con Rafael Koller en el cual abordamos el tema del viaje que se expondrá en el marco del festival de comic Fumetto en Lucerna.

¿Cuál dirían que es la temática de tu obra?
Alejandra: La belleza física, sus distintas facetas y los procedimientos para alcanzarla enfocados desde una perspectiva de lo femenino.
Helena: La construcción de diálogos a partir de formas orgánicas, ya sea la figura humana, las plantas, los animales, etc. Utilizo el dibujo y la palabra escrita como herramientas de investigación.

¿Aparte de ser artista, tienen otra profesión o proyecto?
Alejandra y Helena: Nos dedicamos de lleno a nuestro trabajo, aunque en el futuro (esperemos cercano) nos gustaría gestionar nuestro propio espacio de exhibición.

Juan José Martín Andrés
37 años, 
Soria, España.

Lugar donde vives: Ciudad de México.
¿Por qué decidiste participar en Salón Acme?

Pienso que ACME es una plataforma que, en sus 4 años de existencia, ha conseguido ser un referente en la ciudad justo en la semana en la que toda la ciudad y escena están enfocados en el arte contemporáneo, pensé que era un buen lugar para mostrar algunos de mis últimos trabajos.
¿Qué pieza estas exponiendo y cuál es la historia de la misma?
La pieza se llama Composición geométrica-abstracta tomando como motivo banderas de países títeres de Japón en la 2a Guerra Mundial, que pertenece a una serie de pinturas formadas por polípticos que representan a banderas de países ya desaparecidos, pero que desde un punto de vista puede parecer una simple composición abstracta y geométrica totalmente estética. La propuesta quiere invitar al espectador a pasar del simple acto contemplativo al de la curiosidad, reflexión o investigación; lo que aparentemente es una pieza estética va un poco más allá buscando un elemento político e histórico que una cada pieza de la composición. Cada pieza reúne una serie de banderas unidas por un elemento unificador como puede ser una fecha o un espacio geográfico. Varias piezas de esta serie se presentaron en la exposición "República independiente de tu casa" (lema elegido por Ikea para su campaña publicitaria en España en el año 2005), celebrado en Galería Aural, Alicante (España).
¿Qué técnicas sueles utilizar?
No tengo ninguna técnica en concreto, siempre el concepto o la imagen que quiero final es el objetivo, la técnica es una mera herramienta y para nada es el centro de mi trabajo. Aún así siento que mi obra parte desde el dibujo y la instalación en el espacio o muro, siendo también estas dos disciplinas las que forman la mayor parte de mi obra.
Platícanos de una pieza en la que estés trabajando actualmente:
Además de continuar la serie de "Composiciones geométricas-abstractas tomando como motivo banderas de países desaparecidos", estoy preparando un proyecto que se presentará en noviembre en el espacio de Casa Maauad, una gran instalación formada por unas 300 portadas del semanario Proceso titulada "Mexicanos al grito de guerra". A la vez busco formalizar esa pieza en una publicación, con textos sobre esa pieza y más en concreto sobre el momento que vive el país. Esa pieza sigue dos líneas de trabajo características en mis últimas piezas, como fue en el proyecto "El miedo es el mensaje": 1. la investigación en medios de comunicación impresos apropiándome de las portadas, titulares o de la imagen para a partir de la misma para que, sin transformarlas ni cambiar los elementos de la misma, proponer una nueva lectura crítica. 2. Acompañar la instalación con un registro impreso de la misma. De este modo la pieza presentada, vuelve al formato del que parte, un elemento impreso que puede ser compartido, transformado y editado nuevamente.
¿Cuál dirías que es la temática de tu obra?
La temática es de contenido político. Pero me gusta hacer una definición más larga que ayuda a complementarla: elementos gráficos cotidianos (portadas de libros, periódicos, revistas, titulares de prensa, anuncios, carteles, banderas, etc) de uso cotidiano, con marcado carácter político.
¿Tienes alguna otra pieza o artista que esté en Salón Acme que te haya gustado mucho, cuál y por qué?
Hubo tres piezas en concreto: la de Manuel González González: 5160 (Chamba es chamba). La composición con recortes de pasaportes de Christian Becerra titulada "Mexicanofilia" y "order in Nature de Francisco Muñoz.
¿Aparte de ser artista tienes otra profesión o proyecto?
Soy director de arte y diseño en Revista Código. También llevo otros proyectos de diseño en mi tiempo libre, actualmente estoy trabajando en una nueva etapa de la revista de cine Icónica que verá la luz primero como web y posteriormente en versión impresa.

Nathan Friedman
29 años, 
Nueva Jersey, EUA.

Lugar donde vives: Ciudad de México
Título de obra en Salón Acme: Borderlands
¿Por qué decidiste participar en Salón Acme?
Me mudé a la Ciudad de México hace apenas cinco meses. Salón Acme representaba una buena oportunidad para mi como recién llegado para entrar a la escena del arte local.
¿Qué pieza estás exponiendo y cuál es la historia de la misma?
Las fotografías expuestas son parte de una serie más grande dedicada a la frontera entre México y los Estados Unidos. En 2013 realicé un viaje en coche por toda la línea fronteriza, de San Diego a Brownsville, con el fin de documentar el impacto de la última serie de fortificaciones fronterizas entre ambas naciones.
¿Qué técnicas sueles utilizar?
Utilizo una mezcla de técnicas tanto análogas, como digitales. Las fotografías presentadas en Salón Acme fueron inicialmente tomadas con una cámara de formato medio. Posteriormente escaneé los negativos y realicé impresiones cromogénicas digitales.
Platícanos de una pieza en la que estés trabajando actualmente:
Actualmente continuo trabajando el tema de la frontera entre México y los Estados Unidos, solo que enfocándome en su formación a mediados del siglo XIX y en la manera en que fue asignado, estudiado y representado el territorio después de la guerra México-Americana. El proyecto actual reúne texto, animaciones, dibujos y modelos a escala.
¿Cuál dirías que es la temática de tu obra?
Desde el inicio de mi carrera me ha preocupado la geopolítica, la manera en que los límites son asignados y controlados, y la repercusión de habitar uno u otro de estos espacios definidos.
¿Tienes alguna otra pieza o artista que esté en Salón Acme que te haya gustado mucho, cuál y por qué?
Torre de Babel de Belsay Maza, ya que además de ser una fotografía muy bella, la considero tanto una advertencia como un tributo a la fragilidad de nuestras grandes ciudades.
¿Aparte de ser artista tienes otra profesión o proyecto?
Sí, soy arquitecto de profesión y eso es lo que me trajo a la Ciudad de México. Acabo de comenzar una práctica de arquitectura e investigación de diseño junto con Francisco Quiñones bajo el nombre Departamento Distrito Federal.

Mónica Arreola
40 años, Tijuana, Baja California.

¿Por qué decidiste participar en Salón Acme?
Conocía Salón ACME por notas que leí en redes sociales de sus eventos pasados y siempre me llamó la atención su selección de artistas, su equipo de trabajo y los curadores invitados, he seguido varios de sus eventos en redes sociales. En la actualidad considero que Salón ACME es una de las plataformas más importantes de CDMX para dar a conocer tu trabajo, tuve la oportunidad de asistir este año y que muy complicidad con su la selección de obra, su propuesta curatorial y museográfica.
¿Qué pieza estás exponiendo y cuál es la historia de la misma?
La pieza con la que estoy participando en Salón ACME forma parte de un proyecto documental fotográfico el cual tiene por nombre: Desinterés Social, lo comencé hace alguno años; la serie aun sigue en proceso y consiste en documentar el colapso inmobiliario de la vivienda multifamiliar en la ciudad de Tijuana, la imagen cuenta con un premio de primer lugar de la Bienal Estado de Baja California y muestra un paisaje en ruinas, casas abandonadas que nos revelan la crudeza del capitalismo salvaje (sic), para conocer más sobre la serie visiten mi página web: www.monicaarreola.com.
¿Qué técnicas sueles utilizar?
Trabajo principalmente fotografía e instalación.
Platícanos de una pieza en la que estés trabajando actualmente: Aún sigo trabajando con la serie fotográfica Desinterés Social.
¿Cuál dirías que es la temática de tu obra?
El urbanismo y la arquitectura enfocada de forma documental sin dejar olvidar el tema social y político que les afecta. 
¿Tienes alguna otra pieza o artista que esté en Salón Acme que te haya gustado mucho, cuál y por qué?
Me gustó mucho la selección que realizó la curadora Carmen Cebreros para Salón ACME, en dónde el estado invitado fue Sonora, su propuesta curatorial es acertada e impecable.
¿Aparte de ser artista tienes otra profesión o proyecto? 
Soy arquitecta y co-directora de 206 arte contemporáneo, un espacio de arte emergente ubicado en la ciudad de Tijuana, actualmente estamos por cumplir 4 años, hemos realizado varias exposiciones, conversación con artistas y talleres, para conocer más el proyecto pueden visitar nuestra sitio web: www.206artecontemporaneo.com

Juan Manuel Salas Valdivia
23 años, Guadalajara.

¿Por qué decidiste participar en Salón Acme?
Por que es una plataforma joven que muestra muchas aristas de la producción del arte contemporáneo en México. Existe en su selección una congruencia muy sólida entre las ideas y las piezas, además de que siempre aparecen nuevos nombres exhibiendo a la par de artistas con una larga trayectoria, lo cual hace una mezcla muy diversa e interesante.
¿Qué pieza estas exponiendo y cuál es la historia de la misma?
XVII (22/04/1992) Es la última pintura de una serie que inicié hace dos años titulada fantasmas, la cual aborda algunas definiciones contemporáneas que pueden derivar de esta palabra en relación con elementos que me inquietan dentro de mi contexto habitual. Si bien en otras obras partía de imágenes con un carácter más íntimo, en esta ocasión decidí utilizar un referente con mucho más peso histórico: las explosiones del 22 de Abril de 1992 en el barrio de Analco, en Guadalajara. A pesar de que existen numerosos registros del desastre, la fotografía de un presidente Salinas de Gortari, rodeado por una muchedumbre de personajes anónimos, me intrigó más que cualquier otra posible imagen.
¿Qué técnicas sueles utilizar?
óleo y acrílico.
Platícanos de una pieza en la que estés trabajando actualmente:
Sigo trabajando en torno a la pintura, pero intentando salir un poco de la representación directa de ciertas fotografías. Busco explorar más ciertas cualidades que pertenecen sólo a la pintura, y partir de ahí para generar otras obras que dialoguen entre sí. También estoy entrenando a un gato para que genere algunas piezas y discursos, pero se ha vuelto muy complicado.
¿Cuál dirías que es la temática de tu obra?
Me gusta trabajar con la ambigüedad, la falta o exceso de luz, y con aquello que está en movimiento y no permite ver con claridad qué es lo que se está viendo.
¿Tienes alguna otra pieza o artista que esté en Salón Acme que te haya gustado mucho, cuál y por qué?
Las obras de Juan Carlos Coppel y de Paula Cortazar me gustaron mucho, tienen un carácter orgánico muy interesante.
¿Aparte de ser artista tienes otra profesión o proyecto?
Acabo de egresar de la Universidad de Artes en Guadalajara, así que mi tiempo discurre entre buscar cómo se puede vivir del arte, y educar a un gato para que no destruya mis piezas.
¿Hasta ahora que es lo más importante que te ha pasado gracias a tu participación en Salón Acme?
Conocer que es lo que están haciendo otros artistas en el país, que mi obra esté en una plataforma tan dinámica como ésta y tener una excusa para visitar el distrito y asistir a otros eventos de la semana del arte.

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Imágenes cortesía de Salón Acme

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