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      arte casey jane ellison 15 diciembre 2016

      jessica williams por casey jane ellison sobre arte, méxico y el más allá

      ​La exhibición individual de pintura de Jessica Williams se inauguró en la Ciudad de México este otoño en la Galería La Esperanza. Casey Jane Ellison, mejor conocida por su arte multimedia y sus shows de stand up, habla con ella sobre sus inspiraciones y cómo se ven los colores en México.

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      Jessica Williams y yo rápidamente nos hicimos amigas, aunque un poco tarde. Nos conocimos hace años, pero sólo recientemente de manera muy rápida empezamos a frecuentarnos y hablar varias veces a la semana. Nuestra amistad se reanudó cuando la vi en una exhibición colectiva de la que ella era parte y, mientras hablábamos, me sentí abrumada y tuve que interrumpirla: "Me haces sentir muy bien". Soltó una carcajada y se tiró al suelo, mientras yo permanecí de pie más seria que nunca. Desde entonces, he llegado a confiar en sus aportaciones y su experiencia. Es una conversadora con una sensibilidad y capacidad de entendimiento increíbles. Escucha y responde con información mística, pero bien fundamentada y también se basa en su experiencia personal. Sus pinturas me parecen tan delicadas, místicas y sensatas como ella. La entrevisté acerca de su exhibición individual, LA y los múltiples reinos en los que vivimos.

      Háblame de tu exhibición actual en la Galería La Esperanza de la Ciudad de México. Siento que la iconografía surrealista de los grandes pintores mexicanos en tu trabajo y el realismo profundo y mágico dentro de tu paleta tienen una gran influencia del suroeste. Eres originaria del Valle de Los Ángeles, ¿tus pinturas tienen mucho del sur de California o no?
      Esta fue mi primera exhibición en la Ciudad de México. Cuando vi por primera vez el espacio para la exhibición de la Galería La Esperanza, vi una vidriera que da a la calle, lo que me pareció una interesante manera de exhibir la obra. Y luego, terminé escogiendo seis pinturas, algunas de las cuales son autobiográficas, y otras son escenas urbanas y naturaleza muerta. Estaba concibiendo una historia interesante, pinturas que son ventanas dentro de otra ventana, iluminada por un marco en la noche. Es curioso que sientas la influencia del suroeste, ¡en realidad no he pasado mucho tiempo ahí! Creo que mi trabajo es más como un estado de ánimo que un lugar específico.

      ¿Las ventanas son importantes para tus pinturas? Definitivamente. Una vez a la semana tomo una foto desde la ventana de mi habitación de la puesta de sol. Lo hago porque me recuerda que las ventanas son para mirar. Constituyen la separación entre lo privado y lo público y el ámbito público imaginario. Así nació el nombre de la exhibición, Realm of the Real. Las ventanas te recuerdan dónde estás; son una separación que tiene que ver con la presencia. Estás mirando activamente, ya sea en una habitación o en un auto. El mundo en Los Ángeles siempre es una burbuja privada, enmarcada por una ventana de la escala de un ser humano; pero en México, siento que nunca sabes si estás adentro o afuera.

      ¿Tu habitación es importante para tu pintura? Sí, es el espacio de lo conocido. Pasamos la mitad de nuestra vida soñando en nuestras habitaciones, por lo que son el espacio del yo, aunque aún desconocido para él. Dentro de ese espacio hay mucho de la dimensión subconsciente, mezclado con la cotidianidad de organizar tu espacio, con estas significativas colecciones y posesiones materiales. La pintura es la reorganización de todas esas cosas. Es una negociación, es como encontrar o atravesar algo. Es como estar escuchando una canción que has oído cientos de veces y que de repente se interrumpa, y entonces ya es una historia que nunca antes habías escuchado. El impulso de pintar es una forma de organizar el pensamiento dentro del caos. Para mí, la pintura es un modo de pensar y una compulsión emocional. De una manera microscópica, tu dormitorio hace lo mismo con los objetos.

      ¿Cómo empiezas una pintura? ¿Es una experiencia tensa para ti? Si una idea persiste, la pinto y veo si logra transmitir algo. Por ejemplo, cuando concebí mi pintura de la exposición Blue Lemon, había estado admirando las pinturas Vanitas holandesas del siglo XVII. Son bodegones donde el tema de la muerte se articula a través de objetos simbólicos, frutos o flores en descomposición, o cráneos, generalmente todos juntos. Ese verano viajé a Europa del Este (de donde era originario mi abuelo), y estuve tomando fotos de mis escenas cotidianas, sobre todo de las más domésticas. Fueron unas fotos muy borrosas, pre iPhone, tomadas con una Blackberry... y cuando volví a Los Ángeles, tenía estas fotos super pictóricas de pescado seco, limones pelados y peonías rosas, salidas directamente de un Manet, pero vinculadas a la nostalgia que me seguía. Quería jugar con esta idea, usar el azul y resaltar la naturaleza subjetiva de la observación, y ver cómo los objetos resuenan emocionalmente. El color era la anfetamina para potenciarlo todo.

      Escuché que la palabra de seguridad para ti después de la fiesta fue 'blue lemon'. (Risas) ¡Sólo tres personas la usaron! La fiesta fue la época de mi juventud. La gente en México es maravillosa. Fue muy especial. Creo que aprendí a bailar salsa.

      Cuando me dijiste que hiciste un retrato mío, que fue incluido en la exhibición, mi corazón explotó, pero también me sorprendí. No sabía que sintieras o pensaras de esa manera acerca de mí. Pero, ¿qué es exactamente lo que te motivó? Bueno, había estado leyendo The History of Rock and Roll in 10 Songs de Greil Marcus -que es increíble, tiene un capítulo entero sobre la canción de los sesenta Shake Some Action- y luego estuve viendo un libro de las pinturas de Matisse, y había un retrato que noté que tenía cualidades únicas muy Casey, una gran autoconfianza e intensidad de pensamiento que es específica. Te reconocí en una pintura que había visto un centenar de veces, pero que noté que había encontrado una nueva voz, y también supe que tenía que pintarte.

      Para mí, tus temas y escenas se sienten personales, inmediatos y físicamente cercanos a ti. ¿Qué exploras en esta intimidad? Quiero que mis pinturas sean vulnerables como los humanos. La intimidad es una parte muy importante de ellas. El proceso de pintar desacelera el tiempo, gira en torno a la experiencia y retrae la memoria. Es un espacio muy anticapitalista, donde grabo mi entorno inmediato dentro de nuestra cultura hiper infomaníaca. Mi sentir es que en un mundo tan ampliamente mapeado y representado, el arte debe poner en marcha una intervención de observación subjetiva. Por supuesto, mi entorno personal tiene mucho que ver con esto, conozco muy bien a todos mis modelos y los temas que abordo.

      Tus pinturas no abusan del uso de la luz, ¿cierto? ¿Qué es lo que más usas? Aprendí del pintor francés Henri Rousseau que mediante el uso de mi propio tipo de luz, anuncio que las pinturas existen dentro de su propio reino. Eso enfatiza el hecho de que una imagen nunca es natural y habla de su proceso de composición. Así que tal vez lo que uso es "poca luz", creo un espacio onírico con velas, donde la luz llega de forma refleja en lugar de directa. Por lo regular tomo fotos de sombras, porque con la ausencia de luz se puede notar la forma en su lugar.

      ¿Por qué la paleta de algunas pinturas es más turbia que la de otras? ¿En tu mente son diferentes entre sí? Una paleta turbia describe un estado mental: pensamientos que emergen y desaparecen, polvo que se asientan con el tiempo. Todas mis pinturas son únicas pero se conectan a través del color. Para mí, los colores son estados emocionales y juntos crean la atmósfera única que une a todo mi trabajo.

      ¿Los colores son diferentes en México? Sí, las superficies están matizadas; predominan los colores terciarios y vibrantes, todavía se puede sentir la presencia del tiempo y la historia. En Los Ángeles, en comparación, cada poro respira modernidad e innovaciones hollywoodenses.

      Hay algo mágico que nadie menciona acerca de Los Angeles: Las chicas judías. Por ejemplo, la gente probablemente asume que eres de Nueva York, como yo. ¿Tus pinturas tienen una esencia angelina/judía? Sería imposible decir que no porque soy judía y la cuarta generación de angelinos en mi familia, así que la experiencia de vivir en Los Ángeles afecta profundamente mis ideas. Me encanta el valle, es a la vez un suburbio increíblemente banal, lleno de centros comerciales, y también una exuberante ladera que llega hasta Mulholland Drive. La gente en Los Ángeles, en su mayoría, imagina "el valle" sin frecuentarlo mucho, y me gusta que todavía conserva la impresión de estar lejos, a pesar de que eso no es verdad geográficamente hablando.

      ¿Tu pintura es una autobiografía? Es un lugar para imaginar varias autobiografías y un espacio para abrir los pensamientos de formas que escapan al lenguaje. Tiene una cierta autoridad que hace que la pintura sea única.

      ¿Cuál fue la primera obra de arte que te conmovió? "The Prisioner" de Marie Laurencin. La chica se ve muy solitaria y aislada detrás de la cortina, y también me encantaron los colores y pensé que era una pintura hermosa. Creo que me reconozco en ella.

      ¿Crees en el más allá? ¿Crees que hay otros planos de existencia que están en la tierra al mismo tiempo que nosotros? Creo que en ciertas condiciones atmosféricas el más allá se hace patente e incluso visible... así que sí, ¡creo en el más allá!

      ¿Alguna vez regresarás a México? Lo haré tan pronto como sea posible

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      Credits

      Texto Case Jane Ellison
      Fotografía de PJ Rountree

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      Temas:arte, méxico, casey jane ellison, jessica williams, galería la esperanza, mexico, bree zucker

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