descubre a estas 5 artistas latinoamericanas olvidadas por la historia

Su obra aborda el sexismo, racismo y los problemas políticos.

|
jun. 6 2018, 4:59pm

El período comprendido entre la década de 1960 y la década de 1980 en América Latina fue una era de regímenes autoritarios, intervenciones militares, censura y cambios en el rol de las mujeres. La histórica exposición, Radical Women: Latin American Art, 1960–1985 [Mujeres radicales: arte latinoamericano, 1960-1985], actualmente en exhibición en el Museo de Brooklyn (hasta el 22 de julio), finalmente le da visibilidad a las prácticas artísticas radicales de las artistas femeninas de este período clave en la historia de América Latina y al desarrollo del arte contemporáneo.

La exhibición cuenta con demasiadas obras complejas y conmovedoras como para mencionarlas en una breve reseña (hay más de 260 obras de más de 120 artistas de 15 diferentes países), como los retratos íntimos de Paz Errázuriz de prostitutas travestis que vivían en burdeles de Chile bajo la dictadura de Pinochet, o los audaces y sexys retratos de la vida en las calles de la Ciudad de México de Yolanda Andrade. La gran diversidad de mujeres en la exhibición desafía las nociones reductivas de la identidad femenina, mientras explora el sexismo sistémico que prevaleció en toda América Latina en el siglo XX.

"Radical Women" fue organizada por el Museo Hammer de Los Ángeles, donde esta gran exposición fue exhibida por primera vez el año pasado. Casi ocho años de investigación académica de las cocuradoras Andrea Giunta y Cecilia Fajardo-Hill se traducen en una selección académica, inteligente y reflexiva de mujeres cuyo trabajo, ya sea por ser mujeres o por ser latinoamericanas, o ambos, ha sido ampliamente excluido del panorama general de la historia del arte.

"Radical Women" es un esfuerzo urgente y necesario para rectificar el registro histórico-artístico y para cuestionar quién permanece marginado en el escenario cultural actual. Aquí, analizamos a algunas de las artistas femeninas latinoamericanas más atractivas de la exposición y sus obras.

Sylvia Palacios Whitman. "Passing Through". Imagen cortesía del Brooklyn Museum.

Sylvia Palacios Whitman
En la década de 1960, los artistas comenzaron a utilizar sus cuerpos como material expresivo en el performance experimental y la danza. Nacida en Chile, Silvia Palacios Whitman, una pionera del arte del performance en los años 70 en Nueva York, formó parte de un grupo emergente de mujeres que buscaban romper las restricciones físicas y sociales del cuerpo femenino a través de la danza. Se presentó junto con Trisha Brown en el Museo Whitney de Arte Americano en 1970 y realizó su performance en recintos de Nueva York como Kitchen, Artists Space y Sonnabend Gallery.

Su performance, a menudo basado en historias autobiográficas, se centran en el uso de objetos encontrados y hechos de materiales como cartón, plástico y alambre. En su pieza más conocida, "Passing Through", interectuó en el escenario con objetos que describe como imágenes: manos gigantes, un volcán, escaleras y un avión. Las fotos documentales de otro performance muestran a la artista con unos pantalones blancos y una camiseta sin mangas mientras ejerce tensión contra una cuerda gigante como una “resortera” humana.

Victoria Santa Cruz. “Me gritaron negra". Imagen cortesía del Brooklyn Museum.

Victoria Santa Cruz
"¡Negra! ¡Negra! ¡Negra!".

Una explosión de palabras da la bienvenida a los espectadores cuando ponen un pie en la primera sala de exposiciones de "Radical Women" en el Museo de Brooklyn.

Los gritos emanan de una pantalla suspendida que proyecta "Me gritaron negra", el video de un performance poético de la activista, coreógrafa, y compositora afroperuana Victoria Santa Cruz. Es fácilmente una de las mejores piezas de la exposición. En ella, Santa Cruz recita una poderosa declaración de su identidad como mujer negra junto con un coro de tres hombres, tres mujeres y un tambor de madera.

Este performance nació de un recuerdo de la infancia en el que a la Santa Cruz de siete años le gritaron ‘negra’ en la calle por primera vez. “¿Soy acaso negra?, me dije", comienza el poema. “¡Negra, negra, negra!”, el coro de Santa Cruz grita en respuesta.

Años de abnegación y odio terminan con Santa Cruz transformando esa burla, una vez hiriente, en un himno de liberación: "Negra soy. ¡Y qué lindo suena, y que ritmo tiene!”. El vivificante performance se convirtió en un grito unificador de empoderamiento en un momento en que la vida de los negros en Sudamérica a menudo era negada y devaluada.

Teresa Burga
Otra artista que renuncia a las formas tradicionales de representación en el autorretrato es Teresa Burga. Nacida en 1935, Burga formó parte de una escena emergente vanguardista peruana, asociada con el arte pop y las formas experimentales de representar el medio ambiente. "Sin título (Grabación de los latido de su corazón y luz)" es una versión inicial de un elemento de "Autoretrato", en el que la artista usa fotografías, dibujos, registros médicos y grabaciones para documentar su cuerpo.

La obra que se exhibe en el Museo de Brooklyn incluye una máquina de sonido y una instalación de luz de neón, que pulsan al ritmo de los latidos del corazón de Burga. La obra es un testamento de las formas en que los individuos somos deshumanizados y convertidos en información numérica. Al igual que la pieza "Autoretrato", "Sin título" es parte de la preocupación constante de Burga sobre cómo las relaciones cambiantes entre las personas, la información y la tecnología funcionaron como un método de control social durante la dictadura militar peruana entre 1968-1980.

Mónica Mayer, Los Ángeles, 1979. Cuatro fotografías a color. 17.3 × 25.4 cm. Cortesía de Mónica Mayer.

Mónica Mayer
A mediados de la década de 1970, cuando México era el único país Latinoamericano con un movimiento artístico y feminista organizado, Mónica Mayer formó parte de un grupo de artistas feministas preocupadas por el arte y el activismo impulsado por la comunidad. Mayer se mudó a Los Ángeles en 1978 y ahí conoció a pioneras del movimiento artístico feminista de los Estados Unidos como Suzanne Lacy y Judy Chicago. El colectivo de arte feminista que Mayer formó con Maris Bustamante de 1983 a 1993, llamado Polvo de Gallina Negra, abordó temas como el machismo y el papel de la mujer en la sociedad mexicana con humor e ingenio.

"El tendedero" es la documentación de un performance que Mayer produjo en el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México, donde invitó a los participantes a escribir lo que más odiaban de la ciudad en hojas de papel para luego colgarlas en un tendedero. Las fotografías exhibidas documentan una segunda versión del performance en el vecindario Ocean Park de Santa Mónica en 1979. Mayer les preguntó a los transeúntes si se sentían seguros caminando por el área en un esfuerzo por provocar un diálogo sobre el acoso y la violencia que sufren las mujeres en los espacios públicos.

Anna Maria Maiolino, É o que sobra (Lo que sobra), 1974, de la serie Fotopoemacao (Foto poema acción), 1973–2017. Tres fotografías en blanco y negro. 65 × 156 cm. Colección de Anna Maria Maiolino.


Anna Maria Maiolino
Anna Maria Maiolino, quien fuera objeto de una importante retrospectiva en Estados Unidos el año pasado en el Museo de Arte Contemporáneo (MOCA) de Los Ángeles, fue una exiliada de la Italia fascista, donde nació en 1942, y luego de la dictadura militar brasileña. Sus pinturas y fotografías multimedia giran en torno al cuerpo político a medida que explora identidades a veces conflictivas como migrante, madre, artista, y activista.

Tres autorretratos en exhibición de 1974 en blanco y negro muestran a la artista intentando cortar su propia lengua y nariz. Las fotos ofrecen no sólo testimonio de la violencia omnipresente en Brasil de 1964 a 1985, sino también de las propias luchas de la artista con el lenguaje y la identidad como migrante y exiliada. También se exhiben tres obras de la serie Mental Maps de Maiolino, delicadas obras en papel que usan símbolos y cuadrículas para organizar sentimientos como "refugio" y "soledad" en lugares como "Nueva York" y "Brasil".

"Radical Women: Latin American Art, 1960–1985" se exhibirá hasta el 22 de julio en el Museo de Brooklyn. Puedes encontrar mas información aquí.

Este artículo apareció originalmente en i-D US.