Pablo Pérez-Mínguez, Camerinos Rock-ola, 1979-1985. Usada con el permiso del artista. 

estas imágenes capturan a los club kids de la movida madrileña de los 80

Entrevistamos a Miguel Trillo con motivo de una exposición en Francia que recuerda la repercusión y el frenesí de La Movida.

por Sarah Moroz
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01 Agosto 2019, 7:40am

Pablo Pérez-Mínguez, Camerinos Rock-ola, 1979-1985. Usada con el permiso del artista. 

En la década de 1980 en España, el renacimiento cultural y la libertad de expresión florecieron después de décadas de dictadura política bajo Francisco Franco. Esta energía exuberante y brutal cristalizó en un movimiento contracultural denominado La Movida, encarnado por los asistentes al concierto y los sabuesos de la fiesta. La exposición La Movida: una crónica de confusión, 1978-1988 (en exhibición hasta el 22 de septiembre en el festival de fotografía Rencontres d'Arles en el sur de Francia) yuxtapone el trabajo de cuatro fotógrafos españoles que representaron esta fuerza centrífuga que surgió en Madrid pero que salpicó a otras ciudades. Una espontaneidad emancipada y punk alimentó a esta nueva generación, cautivada por la música, la moda y el cine (el joven Pedro Almodóvar fue una figura clave de La Movida) y todo tipo de cultura visual.

La edición del 6 de junio de 1985 de Rolling Stone incluyó la película "Youth Reigns in Spain" (Julian Lennon estaba en la portada de la revista, entre titulares como "Prince Goes Psychedelic" y "Amy Grant’s Christian Rock"). La pieza examinó el golpe cultural de La Movida, junto con fotos de Mary Ellen Mark. En esta era posterior a Franco, los jóvenes "declararon la temporada abierta en todas las instituciones españolas: Dios, la iglesia católica, el ejército, el sexo, la familia y la vieja derecha", declaró el artículo. Y aún así: "Los madrileños no están tratando intencionalmente de hacer una declaración política. En cambio, están contando las historias de sus vidas, que se formaron en un contexto político muy determinante".

Los cuatro artistas presentados en la exposición: Alberto García-Alix (1956), Ouka Leele (1957), Pablo Pérez-Minguez (1946-2012) y Miguel Trillo (1953), eran intrínsecos al movimiento, no solo como participantes sino también como cronistas y artífices de imágenes únicas. Las imágenes de estilo callejero de Miguel Trillo documentaron una generación rebelde y elegante, mientras que todavía son influenciadas sutilmente por retratistas clásicos como August Sander, Diane Arbus e Irving Penn. Trillo se sumergió en los placeres de la fotografía con el peso de la fatiga ideológica y permaneció como observador en medio de la vida nocturna.

Tus imágenes surgieron de cualquier sitio: en la calle, en clubes, en salas de conciertos... ¿Alguna vez consideraste tener un estudio?
Mis escenarios fueron improvisados, sí, pero no arbitrarios. A veces, primero elegía un rincón y luego esperaba que alguien pasara directamente por él o caminara cerca. Tenía la paciencia de un pescador, esperando que alguno mordiera el anzuelo.

¿Qué tan importante fue establecer una relación con el sujeto?
Nunca me gustaron las fotos robadas. Hablé con la gente y les hice posar de forma natural, aunque los puse contra esa pared o hice que se sentasen. A veces pueden suceder cosas inesperadas. Todo tenía que ser muy rápido: una o dos fotos como máximo. Traté de no hacerles sonreír como lo hacían las revistas de moda y los anuncios, donde los jóvenes siempre mostraban sus dientes, siempre "felices".

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Miguel Trillo, Madrid, 1982. Imagen cortesía del fotógrafo.

En la exposición, hablas sobre la disparidad entre su práctica fotográfica y la forma en que la fotografía artística, e incluso la prensa, consideraban la fotografía durante esta época. ¿Puedes dar más detalles sobre esto?
En Europa en ese momento, mi generación quería considerar la fotografía como un arte, no solo como una profesión. Queríamos ser exhibidos en galerías de arte contemporáneo en lugar de en bares, o incluso exclusivamente en galerías de fotos. A principios de los años 80, logré exponer en dos importantes galerías de arte contemporáneo en Madrid. Quería romper con las habituales fotos en blanco y negro enmarcadas detrás del cristal, mostradas como si fueran dibujos o grabados. No me gustan las fotos enmarcadas. El único "gesto tradicional" que hice fue firmar, numerar y limitar la edición de mis imágenes, para facilitar las ventas y la recolección, a pesar de que a menudo eran fotocopias o fotos en color. Proyecté diapositivas de color. Y es cierto, tampoco me gustó la forma en que se trataba la fotografía en la prensa, así que decidí publicar mis fotos en blanco y negro en fanzines y libros de artistas que yo mismo edité. En los años 90, la fotografía estaba muy presente y "normalizada" en las ferias de arte contemporáneo; con el cambio de siglo, con Internet, se han abierto muchos caminos nuevos.

Esa experimentación en forma (proyecciones, fanzines, fotocopias) fue un lenguaje visual renovado. ¿Este formato te hizo reconsiderar los temas que tratabas?
Un proyector de diapositivas, un fanzine o fotocopias en color eran más fáciles de ver para el espectador. Era una cuestión de estilo.

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Miguel Trillo, Madrid, 1984. Imagen cortesía del fotógrafo

Hiciste fotos en Londres, en el 100 Club, que muestran un estilo y un ambiente similares a la escena de Madrid. Para ti, ¿qué resonó entre las escenas de diferentes ciudades a nivel internacional y qué era específico de Madrid?
Madrid fue específico en que fuimos la primera ola: todo era nuevo y todo mezclado, éramos una especie de vanguardia, precursores. En Londres ya había una gran industria de la música, la moda, clubes, festivales, revistas. La diferencia fue enorme, aunque compartimos el mismo entusiasmo. Regresé a Madrid de mis vacaciones en Londres con muchas fotos, así como con revistas como los primeros números de i-D y The Face. En Madrid, casi nadie se había teñido el pelo ni llevaba tatuajes, sin embargo, ya había una semejanza con Londres o Nueva York con un estilo de vida descarado basado en el sexo y las drogas.

¿Crees que se puede decir algo sobre la generación específica y la época durante la cual se hicieron estas fotos? Si es así, ¿qué los ancla en esta ventana histórica específica?
Cuando una ciudad, un país, y una generación joven encuentran libertades a las que sus padres o incluso sus hermanos mayores no tenían acceso, produce una energía fresca. Esa fue La Movida: una época que, además de ser muy divertida, generó mucha actividad artística.

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Miguel Trillo, Madrid, 1982. Imagen cortesía del fotógrafo.

El texto de la exposición describe tu trabajo como una especie de "mapa" de tribus (punks, mods, rockeros, teddy boys, heavies, etc.) ¿Se ve a sí mismo como una especie de antropólogo social? ¿O te ves más como un fotógrafo de street style?
Sí, supongo que me veo como un fotógrafo de street style. Me gusta la calle, los encuentros casuales; no hay intención de "estudiar" a nadie en mis fotos. Más bien, se trata de divertirse y mirar, ir donde está la escena: conciertos, festivales, semanas de moda, calles comerciales.

Hoy en día, hay muchas cuestiones relacionadas con las normas de género. El estilo en el momento en que estabas fotografiando muestra una estética donde la diversidad de género era un estandarte. ¿Como crees que se expresaba el género entonces?
Había bastantes figuras femeninas fuertes y bastantes hombres homosexuales que formaban parte de La Movida, pero no había un discurso feminista o de orgullo gay. Todo estaba al nivel de lo visible; nada fue organizado. Venimos de una época definida por un exceso de discurso político, de militancia, de reglas. No había interés en decretos o lemas después de eso.

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Alberto García-Alix, Gabriel, 1980. Imagen cortesía del fotógrafo.

Las fotos de Alberto García-Alix en la exposición hacen referencia abierta a las drogas y la adicción. ¿Cuánto se filtró ese aspecto de la escena en lo que cubriste, incluso si es menos obvio en su descripción?
En muchas fotos de La Movida, hay rastros de alcohol, anfetaminas, hachís, ácido, heroína... En mis fotos, no los ves, pero asumes su presencia. Algunos sujetos murieron meses después: por accidentes, SIDA, sobredosis. Todo fue el resultado del deseo de experimentar riesgos, de sentir frenesí. Las sustancias tenían un prestigio intelectual. En el mundo del arte y la música, no hay controles sobre el alcohol o las drogas cuando los creativos están en el escenario o en su estudio.

¿Cuál fue su relación con los otros tres fotógrafos de la exposición? ¿Eran amigos, competidores? ¿Hubo un sentido de comunidad?
Había un sentido de comunidad, porque había un circuito reducido de clubes y tiendas de ropa. Y los domingos, en las primeras horas de la mañana, todos iban a El Rastro. No éramos amigos, yo era el único de los cuatro que no había nacido en Madrid; fui allí para ir a la universidad. Nos conocíamos de vista, pero hacíamos fotos muy diferentes. No competimos, Alberto García-Alix y Ouka Leele nunca salían de noche a conciertos o fiestas con sus cámaras. La mayoría de las fotos de Pérez Mínguez eran hechas en su estudio. Querían vivir de la fotografía profesionalmente. Yo nunca fui comisionado ni quería ser un profesional. Trabajé como profesor de literatura en una escuela secundaria pública. La fotografía era para mi tiempo libre, mis momentos de ficción.

¿Cómo es tu práctica fotográfica hoy en día?
No ha cambiado en absoluto. La diferencia es que ahora, después de 35 años de enseñanza, me he retirado como profesor de literatura. Siendo mayor, hago más fotos de día que de noche. Lo que más me interesa son los festivales, las semanas de la moda, las calles comerciales de compras. Estos son mis terrenos de caza. Como dije: tengo la paciencia de un pescador, pero con una cámara en lugar de una caña de pescar.

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Pablo Pérez-Mínguez, Alaska, Pedro y Fabio, 1979-1985. Colección Adolfo Autric. Usada con el permiso del fotógrafo.
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Alberto García-Alix, Ana Curra esperando mis besos, 1984. Usada con el permiso del fotógrafo
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Pablo Pérez-Mínguez, Divina May, 1979-1985. Usada con el permiso del artista.

Este artículo apareció originalmente en i-D US.

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