8 emocionantes diseñadores emergentes a seguir

Ve el trabajo realizado por los jóvenes talentos que se presentan en CFDA Fashion Future Graduate Showcase.

por Brittany Natale
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08 Julio 2019, 9:15pm

Ahora en su tercer año, el Fashion Future Graduate Showcase de CFDA tiene como objetivo destacar el talento de moda emergente de todo el mundo. La presentación física de sus colecciones tuvo lugar el mes pasado en la ciudad de Nueva York, pero ahora continúa en línea. El trabajo de 50 jóvenes diseñadores de 11 escuelas diferentes de todo Estados Unidos está en exhibición, cada uno de los cuales fomenta la evolución progresiva de la moda.

i-D habló con ocho de los diseñadores emergentes sobre las inspiraciones detrás de sus colecciones y sobre cómo imaginan el futuro de la moda.

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Imagen cortesía de Gibron Whitney Shepperd.

Gibron Whitney Shepperd, 28, Savannah College of Art and Design

¿En qué están inspirados tus diseños principalmente?
La narrativa, que específicamente conecta símbolos, motivos e historias, es lo que más inspira mis diseños. Mi objetivo como diseñador es contar historias convincentes de la misma manera que lo haría un autor, pero en lugar de palabras utilizo textiles.

¿Cuál es la historia detrás de tu colección?
La colección realmente sirve como memorias de mi infancia, una exploración y estudio de mi origen multicultural y multiétnico. La colección observa las tres religiones abrahámicas en las que crecí en California y la huella sartorial que dejaron en mí.

¿Cómo percibes el futuro de la moda?
El futuro de la moda, especialmente la moda masculina, es muy emocionante. La moda está llegando a un lugar donde realmente no hay reglas. Todo se está convirtiendo en la relación entre la prenda y el portador, y nadie más. Las nociones tradicionales para los hombres en el mundo occidental se están desvaneciendo lentamente, y me siento muy honrado de formar parte de esa revolución.

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Imagen cortesía de Christopher Moster Cabalona.

Christopher Moster Cabalona, 28, Academy of Art University

¿Cuál es la fuente de inspiración para tus diseños?
Encontré inspiración en los payasos de principios del siglo XX. Mi colección toma el elemento de la alegría coreografiada y lo canaliza en looks sofisticados y estructurados. Incorporé detalles de metal como llaves y cierres de bolsos, y desarrollé chaquetas, pantalones a la medida, chalecos y suéteres.

¿Hay una historia detrás de tu colección?
Con todo y la inspiración de los payasos, los diseños no pretenden ser “lúdicos”, sino que enfatizan la contradicción de ser exuberantes al tiempo que muestran elegancia y refinamiento “en carácter”. Mi objetivo es honrar la alegre pero dramática esencia de los payasos. Por ejemplo, un elemento clave de la moda masculina: el chaleco, se reinventa como una pieza que muestra tanto el humor físico como la conciencia del concepto de "hombre de negocios". Llevando mi inspiración más allá, adapté los tradicionales trajes holgados del payaso y los transformé en prendas ajustadas y confeccionadas que transmiten optimismo, pero siguen siendo sensibles a la noción de depresión y sus extensiones. Los payasos sirven como un llamado para que las personas disfruten la vida a pesar de los obstáculos y sentimientos de tristeza que pueden enfrentar, que "la vida es bella, no la desperdicies".

¿Cómo percibes el futuro de la moda?
El futuro de la moda para mí es la restauración y la ausencia de culpa. Por supuesto, la sustentabilidad siempre será la respuesta. Además, veo los preciosos herrajes de metal pasados de moda como el epítome de una nueva versión de los adornos que reemplazan los botones y las cremalleras de las prendas a medida.

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Imagen cortesía de Chelsea Grays.

Chelsea Grays, 26, Academy of Art University

¿Cuál es tu mayor inspiración?
Lo que más me inspira es mi habilidad para ayudar a la gente. Aprovecho lo que he visto o experimentado en la vida cotidiana y busco soluciones a través de la ropa. Me inspira mi habilidad para hacer algo positivo. Esto es, por supuesto, afectado por mi pasado como estudiante de psicología. Me siento impulsado por los problemas sociales y uso mi creatividad para crear conciencia sobre estos problemas.

¿Puedes contarnos un poco sobre la historia detrás de tu colección?
La colección Organized Chaos comenzó con un documental social. Caminando por las calles de San Francisco, especialmente en el Tenderloin, para comprender por qué las personas no tenían hogar y qué necesitaban mientras vivían en las calles. También tuve una inspiración sutil de Basquiat, pero luego desarrollé la colección para centrarme en Basquiat y en su época como vagabundo y en las drogas. Aunque fui conducido al trabajo de Basquiat como artista, estaba más intrigado por la ropa que usaba. La serie de pantalones se compone de varias piezas que parecen faldas. También hay elementos artesanales como serigrafía y fieltro para agregar textura. Aprecio la idea de hacer que esta colección sea única, por lo tanto, se han agregado formas orgánicas y un efecto de impresión poco perfecto. La colección comenzó como womenswear que luego se fusionaría en unisex. A medida que la colección seguía desarrollándose, comencé a centrarme en la moda masculina. Mientras crecía, mi madre siempre vestía ropa de hombre por necesidad. Tenía que compartir ropa con su hermano, así que tenía que ser creativa al comprar ropa.

¿Cómo percibes el futuro de la moda?
Cuando recibí [su] correo, estaba buscando en Google en doctorados de diseño de moda. Los resultados de mi búsqueda fueron escasos o nulos. Algunas escuelas acaban de llegar a los programas de nivel de maestría. En este punto, es probable que sea demasiado entusiasta de mi parte pensar que habrá un doctorado. Por lo tanto, cuando pienso en el futuro de la moda, pienso en menos habilidad pero más creatividad. Los avances tecnológicos, por supuesto, van a cambiar la industria del diseño. Últimamente, creo que la industria de la moda controla la sociedad y no al revés, que creo que seguirá evolucionando.

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Imagen cortesía de Kyle Brogan.

Kyle Brogan, 25, Fashion Institute of Technology

¿En qué están inspirados tus diseños principalmente? ¿Hay una historia detrás de tu colección?
Desencadenado al mirar a través de las fotos de la infancia nadando, mis extremidades distorsionadas por las olas, me di cuenta de que gran parte de la identidad de un niño estaba deformada por las etiquetas que me dieron otros. Como diseñador con una anomalía facial, quería transmitir mi experiencia viviendo con dismorfia corporal. Considero que mi enfoque de diseño es una narración minimalista y, a través de mi colección, pude crear una estética vanguardista con pistas de mi identidad como diseñador con una característica especial incorporada en todo.

¿Cómo imaginas el futuro de la moda?
El futuro de la moda para mí parece más accesible para personas de todas las capacidades.

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Imagen cortesía de Josefina Muñoz.

Josefina Muñoz, 24, Parsons School of Design

¿Puedes contarnos un poco sobre la historia detrás de tu colección?
NO ME COPIES cuestiona los orígenes de las fronteras sociales, de la autoría y las relaciones de poder que se generan a través del consumo de bienes de lujo y el efecto de la reproducción ilegal que permite al producto llegar a poblaciones que generalmente no pueden pagar el producto original: a través de procesos como la reutilización de bolsas y cubiertas bajo el espíritu de colaboraciones "forzadas" de marcas que normalmente no trabajarían juntas. Procesos que se superponen y distorsionan la exclusividad de la moda con cosas simples y comunes, colocando a la vanguardia del proyecto las actividades culturales universales (como comer pollo) que son democráticas e inclusivas, con el objetivo de generar sistemas y plataformas que permitan a los usuarios de diferentes antecedentes participar en la remodelación de la definición de lujo y valor, y, en consecuencia, desacreditar las jerarquías y descomponer las estructuras de poder.

¿Cómo percibes el futuro de la moda?
Salir del proceso de creación de residuos y producir desde una perspectiva basada en el sistema; ser holísticos en los enfoques de diseño y trabajar hacia una existencia que sea justa e igualmente accesible para todos; creando diseños que permiten a los usuarios cambiar su papel en la sociedad sin ser complacientes con la forma en que los sistemas actuales los ubican. Un terreno donde el lujo no es un sinónimo de exclusión, sino más bien una oportunidad para compartir. Una verdadera industria democrática.

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Imagen cortesía de Abigail Donahue.

Abigail Donahue, 22, Kent State University

¿En qué están inspirados tus diseños principalmente?
Siempre me han inspirado las narraciones y la música que las acompaña. Quiero escribir historias con mis colecciones y ver un cambio a través de la forma en que avanza. No hay diferencia para mí donde mi trabajo como diseñadora comienza y acaba. Me interesa el panorama general de la colección, desde la concepción de la inspiración, hasta el desfile, hasta el concepto de tienda. Para cada colección que diseño, hago un concepto de pasarela con diseño de escenografía, iluminación y, a veces, una locación si puedo encontrarla. También hago siempre una lista de reproducción. Esto es para mí, para tener un seguimiento de mis propios pensamientos; un simple moodboard no es suficiente. En todo caso, la música me mantiene más centrada en mi inspiración. He escuchado una canción que me inspira y puedo ver instantáneamente una película de la colección que la acompaña en mi cabeza, –¡El truco es escribirla a tiempo! Para mi colección de tesis, la canción fue Dissolve Me de Alt-J, me recordó a los colores primarios.

¿Hay una historia detrás de tu colección?
Mi colección de tesis, 504 Inside Outside the Box, busca mostrar la realidad de los estudiantes con discapacidades de aprendizaje dentro del sistema escolar estadounidense estructurado. Con esta colección, quería mostrar las dificultades y fortalezas de las discapacidades de aprendizaje, como la dislexia, el TDAH, la ceguera al color, los trastornos de seguimiento visual y los problemas de integración sensorial/motora. Al ser yo misma una persona con discapacidades de aprendizaje y acercarme al final de mi educación formal, finalmente pude reflexionar y comentar el largo y a menudo difícil viaje que tuve al navegar por el sistema escolar. En la escuela, siempre sentí que estaba pensando diferente. Esta colección surgió de la sensación que muchos estudiantes con LD tienen: la sensación de pensar con una perspectiva diferente, mientras se los restringe dentro de los parámetros rígidos del sistema educativo. Los planes 504 son planes educativos escritos que describen las discapacidades de un estudiante y las adaptaciones que deben darse para nivelar el campo de estudio con sus compañeros.

¿Cómo visualizas el futuro de la moda?
El futuro de la moda es más transparente en todos los sentidos. Creo que las generaciones en crecimiento esperan cada vez más esta transparencia. Desde comprender las cadenas de suministro hasta saber si la ropa que usan proviene de una compañía que trata bien a su gente. ¡Me hace sentir muy optimista sobre hacia dónde nos dirigimos como industria! También veo la moda cada vez más creativamente extrema. La moda que usan las personas y los eventos a los que asisten no son solo una declaración del día, sino una declaración de su calendario. Crear estas fantasías para las personas es cada vez más importante. Lee Alexander McQueen, mi héroe de la moda, ¡y Karl Lagerfeld entendieron este concepto a kilómetros de distancia!

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Imagen cortesía de Puyang He.

Puyang He, 21, California College of the Arts

¿Qué inspira tus diseños?
Cuando era niña, solía coleccionar bonitas stickers y juguetes. La casa de mi tía era mi lugar favorito para ir. Tenía una gran colección de pequeños recuerdos de su juventud: accesorios "baratos", brillantes pegatinas de dibujos animados o incluso papeles con diferentes patrones. Ella me inspiró para curar mis "colecciones" por sus colores y ponerlas en una caja que hice con una bonita tela y papel. Este era mi tesoro. En mi opinión, gente perfecta, las cosas, e incluso los diseños perfectos, son aburridos. La imperfección es más atractiva para mí, el pequeño punto negro en una pared blanca brillante, un par de ojos de diferentes tamaños en la cara de una niña. Incluso el patio o la habitación desordenada trae inspiraciones.

¿Cuál es la historia detrás de tu colección?
En mi colección, quiero expresar juguetonamente la alegría que obtengo al coleccionar cosas. Los patrones y telas de colores encarnan la esencia de la colección. Seda de colores brillantes, tejido a cuadros de diferentes escalas y tejido barato brillante son las bases. También agrego cuentas, algunas brillantes y transparentes, otras más como caramelos. La reunión es un motivo importante: unificar toda la colección, aportando una estética aniñada. Mi trabajo está lleno de nostalgia por la infancia, inspirando a las personas a revivir sus propios recuerdos.

¿Cómo percibes el futuro de la moda?
En mi opinión, la moda ha cambiado mucho desde el pasado hasta nuestros días. Cada vez más personas prestan más atención a expresarse con sus atuendos en lugar de seguir las tendencias. En el futuro, creo que más personas harán sus propias prendas: pueden cambiar sus prendas de manera dramática, o usarán una sola pieza realmente cómoda.

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Imagen cortesía de Natalia Riedel.

Natalia Riedel, 23, Parsons School of Design

¿Qué es lo que más te inspira?
En 2015 fui hospitalizada por un trastorno alimenticio con el que viví la mayor parte de mi vida. En ese momento sentí que estaba perdiendo todo al dejar Parsons para enfocarme en la idea de algo llamado recuperación. Pero gané todo, el tratamiento me ayudó a encontrar mi voz y diseño a través de la vulnerabilidad. Han pasado más de dos años desde que dejé el tratamiento, con el que tuve que orinar en un vaso a las 6 am y ponerme una bata de hospital miserable, y a veces, sigo tratando de averiguar qué coño significa estar en recuperación. Pero creo que es una cosa hablar sobre la salud mental y la recuperación cuando nuestra cultura dice que debemos escondernos por la vergüenza. Me inspiran otras personas y sus historias. Me inspiran todas las mujeres que conocí en el tratamiento, sus vidas y su fuerza, y la comunidad que construimos.

¿Cuál es la historia detrás de tu colección?
These Days reimagina la recuperación del trastorno alimenticio a través de la comunidad y el diseño. Al crear puntos de entrada accesibles para la recuperación, que incluyen medias psicoterapéuticas, empaque sin mentiras, una baraja de tarot psicoterapéutica y ropa interior sensibles al cuerpo, These Days se aleja de los sistemas clínicos exclusivos que generalmente gobiernan el tratamiento. El cuidado de la salud mental es un derecho humano. A través del diseño, tenemos una oportunidad increíble de subvertir nuestro enfoque cultural a las enfermedades mentales y la forma en que experimentamos vivir en un cuerpo. Todas las medias se imprimen con actividades de atención plena y regulación emocional y habilidades de tolerancia a la angustia. La calcetería se convierte en una hoja de trucos portátil para recordar tus habilidades DBT a las que puede ser difícil acceder cognitivamente cuando la ansiedad escala. Los íntimos sensibles al cuerpo son una forma de tolerancia a la angustia porque vestirse cuando se está en recuperación, puede ser motivo extremo de ansiedad. Los sujetadores y la ropa interior se construyen con cierres no lineales porque la recuperación no es lineal. Las cinturillas ajustables, las correas y los paneles superpuestos permiten al usuario ajustar la prenda a su cuerpo en lugar de manipular su cuerpo para que se ajuste a una prenda. Nuestros cuerpos están cambiando constantemente. Nos hinchamos, algunos sangramos y nuestras prendas deberían poder cambiar de forma.

¿Cómo percibes el futuro de la moda?
Creo que el futuro de la moda es la inclusión y la accesibilidad. Está utilizando el diseño para deconstruir las normas culturales y crear un cambio social. El futuro de la moda es la sustentabilidad que considera la equidad social, la economía y el medio ambiente.

Este artículo apareció originalmente en i-D US.

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