conoce el singular proyecto de moda de centre for style

Hablamos con Matthew Linde de Centre for Style sobre la curaduría de la moda fuera del museo y la creación de uno de los negocios más singulares de la moda.

por Dean Kissick
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03 Agosto 2015, 6:10pm

Este verano, Matthew Linde llevó su tienda de moda y espacio de exposiciones con sede en Melbourne, Centre For Style, en una gira de costa a costa por los Estados Unidos, celebrando eventos de una sola noche en Nueva York y Los Ángeles. Llegué a este último un poco tarde y lo encontré instalando esculturas en la sala de proyectos Chin's Push, y esperando a los expositores que iban tarde. En el jardín, un par de chicas se vestían con túnicas ceremoniales color café hechas por el dúo de diseñadores australianos HB Peace. En la sala estaban las instalaciones de los otros artistas base de Centre -Rare Candy y D&K, ambos también de Melbourne, y Anna-Sophie Berger de Viena- junto con contribuciones de artistas locales como Marcel Alcalá; que estaba pintado de color amarillo. Interpretando el papel de un rapero ciego y vigilado por un gato aburrido de color blanco y negro en la cima de un cobertizo de jardín, su sorprendente actuación tuvo como clímax la quema ritual de un bolso de Louis Vuitton en una hoguera.

Desde su fundación hace dos años, el Centre for Style ha actuado como un campeón totalmente independiente de prendas de vestir y prácticas experimentales de arte por todo el mundo. Tiene un espíritu y estética DIY underground, y una rareza que pocas veces se ve en el mundo de la moda hoy en día, así como fuertes lazos con la comunidad artística. Con su propio espacio, sus proyectos fuera de las instalaciones, y sus publicaciones, Centre for Style se está convirtiendo en una entidad cada vez más influyente, así que le pedí a Matthew que nos explicara todo.

Centre for Style parece algo así como un espacio dirigido por artistas, pero con moda, la cual es una idea inusual para mí.
Creo que tu percepción es bastante exacta. En Melbourne hay pocas galerías comerciales y están alejadas las unas de las otras, y nosotros tenemos -o teníamos una, están siendo diezmadas en este momento porque estamos haciendo eco de las medidas de austeridad del gobierno -Buen financiamiento estatal para las artes, lo que le permitía a la gente como yo conseguir préstamos y auto-iniciarse.

¿Qué lo inspiró?
¿Conoces a Wendy Yao? Estuve con ella hace un momento, y ella dirige un espacio llamado Ooga Booga donde vende arte, libros, ropa, y música en Los Ángeles. Cuando yo era pequeño, ella estaba trabajando lo-fi, trayendo artistas de diferentes campos, así que había música, pero también había moda, y para mí eso fue un gran precedente.

Luego está Olivier Saillard, quien es curador de moda en París, ha hecho algunos proyectos increíbles. Cuando se trata de prendas más históricas, que tienen informes de condiciones, pasa lo mismo que con el arte, en realidad no se puede hacer mucho con ellos en términos de instalación o actuación. Pero él hizo un show increíble [The Impossible Wardrobe, 2012] en el Palais de Tokio con Tilda Swinton; ella llevaba un traje profesional y químicamente balanceado con guantes y sostenía una prendas increíbles del siglo XVII justo a un costado de su cuerpo, parecía que las estaba usando. Por lo general, solo ves estas prendas en exposiciones didácticas y realmente aburridas, y pensé que éste era un enfoque muy imaginativo e inteligente para activarlas. 

Y RA en Amberes, aunque ya cerraron, por desgracia. Pero RA era fantástico porque era obligatorio almacenar solo obras de posgrado, y -si es que vamos a homogeneizar- mientras un artista desarrolla su obra y se pone mejor y mejor, el diseñador normalmente funciona de manera opuesta. Es como si su mejor trabajo fuera su colección de posgrado, y conforme se ajusta a la industria se vuelve más y más difuso. RA fue importante porque tenía muchos looks de los graduados de Amberes en la tienda. 

Un evento de moda de una sola noche de duración -que no sea un desfile o una presentación o una fiesta- es un formato nuevo para mí. ¿Por qué estás tan interesado en ello?
Bueno, toda mi vida ha consistido en intentar aprender más acerca de la moda y el arte, y no era un buen diseñador, pero me sentía atraído por el diseño porque parecía hacerte formar parte de una comunidad. Personas como Eckhaus Latta hacen eso muy bien, y en algún momento la ropa de Eckhaus Latta es intrascendente, y en su lugar se trata más de: '¿Cómo logro que la gente sea DJ y quiera fotografiar?' y se convierte en una comunidad, y para mí eso era el poder de la moda -la forma en la que crea comunidades. 

Creo que el formato de exposición de moda se encuentra todavía en sus etapas de ameba, así que quiero estar allí para darle forma a la escena, o darle forma a una comprensión de lo que podría ser. Estoy haciendo mi doctorado en esto, así que ése es mi impulso.

¿Tu doctorado trata sobre exhibir la moda afuera de los museos?
Sí, porque la curaduría de la moda dentro de un museo ya está bien definida, tenemos una muy fuerte historia con ella. Pero la curaduría de la moda fuera del museo está muy activa en este momento, en los últimos diez años, debido a que los estudiantes de moda a veces optan por una exposición en lugar de por un desfile. 

Con los museos, ésa es una manera de acceder a las obras y ésa no es la forma que más me interesa. Pero ya viste lo que pasó esta noche, algunos de los artistas ni siquiera habían traído su trabajo a la hora en que comenzó el evento, y ese tipo de vivacidad o enfoque ad hoc no está permitido en el contexto del museo.

Pero también creo que es políticamente atroz que accedamos a la cultura financiados por las corporaciones "filántropas'" que donan a los museos, por lo que también hay una retórica anticapitalista.

¿Por qué crees que se ha producido esta tendencia reciente de colaboraciones de alto nivel entre diseñadores de moda y artistas? Por ejemplo, Prada abrió su museo, o Riccardo Tisci trabajó con Marina Abramović.
Es un lujo -y creo que decir "arte" y "moda" es desviarse del tema- quiero decir, es solo de lujo, ese es su objetivo común. Isabelle Graw escribe sobre esto con mucha más veracidad de lo que yo podía repetirte, habla de la colusión entre ambas industrias, y también con otros sectores como el cine, y la forma en que están todos envueltos en manos extremadamente capitalistas. Para mí no pasa nada explícito entre estas colaboraciones. La gente dice: "Oh, la moda está entrando en una fase artística" o "El arte es una forma de…" Es decir, todos están entrando en un formato capitalista hiper-avanzado y forman parte de un sistema compartido.

centreforstyle.org

Credits


Texto Dean Kissick
Fotografía cortesía de Centre For Style

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