cómo hacer una buena fotografía rock ‘n’ roll

¿Cómo puede un fotógrafo capturar la energía de un músico? i-D profundiza en el mundo cambiante de la fotografía musical.

por Jane Helpern
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12 Mayo 2015, 8:05am

Getty Images / Michael Ochs

El pasado 6 de febrero, el padre del reggae -el revolucionario Bob Marley- habría cumplido 70 años. La exposición Revolutionary Dreams reúne 15 grandes imágenes del icono musical que representan su constante lucha por la paz; todas bajo el objetivo del fotógrafo documental Dennis Morris. En una reunión Marley en un bar de Londres, Morris afirmó: "Supe que mi vida iba a cambiar... me dio confianza. Me dio esperanzas. Me dio identidad. Hizo posible mis sueños. Y para millones de personas en todo el mundo, hizo lo mismo".

Bob Marley por Dennis Morris

Los retratos de Morris son tan poderosos como la música de Marley -que a día de hoy sigue sonando con la misma fuerza- y sirven como recordatorio del impacto personal que los retratos íntimos de nuestros ídolos pueden causar en nosotros. ¿Se aleja demasiado de los selfies borrosos que hacen hoy en día? ¿Sigue siendo importante retratar la música? Si es así, ¿cómo puede ser capaz alguien de destacar en el mundo saturado de imágenes en el que vivimos?

En la época pre Instagram, iconos de la fotografía musical como Glen E Friedman, Henry Diltz y el DJ y documentalista del punk por excelencia Don Letts -cuya obra The Punk Rock Movie de 1978 filmada en Súper 8 contó con todos los actores clave del movimiento punk de UK (The Clash, The Slits, The Sex Pistols)- capturaron un pedazo de historia. En realidad, crearon la única ventana a este mundo con la que se podía contar, especialmente si vivías lejos de dónde ocurría la acción 

En LA, From Pop to the Pit muestra un interesante archivo de la música pop, punk y hip hop del periodo 1978-1989, capturado por el difunto Herald-Examiner. Estos renegados, armados con una cámara, supieron aprovechar los momentos vulnerables de los músicos colándose entre bastidores, clubs y cualquier callejón donde estuviese ocurriendo algo. No se pueden olvidar los días confusos de Diltz -fotógrafo oficial de Woodstock-, que se pasó la década de los 60 con Edward Colver, el irreverente artista que retrató el nacimiento del hardcore americano con los primeros retratos de Bad Religion y Minor Threat: nostálgicas imágenes que nos ayudan a comprender una época.

La mayoría de los fotógrafos más cotizados del mundo de la moda y el arte se han sumergido en algún momento de su carrera en la música. En 1970, Annie Leibovitz se convirtió en fotógrafa -y más tarde en la jefa de su departamento- para la revista Rolling Stone; y en 2007, Ryan McGinley expuso Irregular Regulars, imágenes de un viaje de dos años a través de los Estados Unidos, UK y México con Morrissey. Siempre ha habido una unión especial entre la moda y la música, y gracias la colección otoño/invierno'15 de Opening Ceremony con la colaboración de Spike Jonze -que transforma el archivo del cineasta en imágenes nunca antes vistas de los Beastie Boys, Björk y Kim Gordon en un collage gráfico- la historia del rock nunca había resultado una mercancía tan potente. 

Fotografías de Björk y Thurston Moore en la Ceremonia de Apertura de la colección otoño/invierno'15, por Spike Jonze. Imagen cortesía de Black Frame.

Luego está Mick Rock, famoso por sus retratos de David Bowie, que continuó su carrera con artistas contemporáneos como The Killers, Lady Gaga o Alicia Keys. Pero a pesar de su popularidad entre la generación Tumblr, Mick admite que siente nostalgia por el shock value y los años 70. "Lo que antes era rock'n'roll es ahora arte. Mi visión, para bien o para mal, ha sido pura música", escribió el fotógrafo como pie de foto de una imagen de Queen. Mick se recrea en el futuro y rememora el pasado, pero su trabajo siempre será sinónimo de aquel tiempo en el que era más fácil ser rebelde, los trajes eran glamurosos y las caras brillaban (hablamos de cuando la historia no era un simple hashtag #tbt).

Así llegamos a la actualidad, donde la fotografía hecha con un smartphone y las redes sociales se han convertido en una fábrica de fotógrafos amateurs que compiten por ser el mejor. Mientras, algunos devotos de 35mm se alejan de ese grupo -como el fotógrafo y director Timothy Saccenti- que ha trabajado para artistas como Miguel de LCD Soundsystem o Depeche Mode. "El cambio es innegable. En mi mundo, el misterio es más difícil de cultivar y de controlar, pero también es una oportunidad increíble para experimentar", afirma sobre las redes sociales. 

"La barrera de entrada para ser fotógrafo ha caído tan drásticamente que se ha vuelto todavía más importante crear un proceso único para hacer fotografías". Saccenti también subraya la necesidad de investigar el tema y aprovechar las anécdotas personales que diferencian a ese artista de los demás. "Investigar es parte del proceso, y es muy gratificante. Tienes que conocer su personalidad y su pasado, y luego conseguir que todo eso se represente a través de sus rasgos físicos". 

James Murphy por Timothy Saccenti

Brick Stowel -el fotógrafo de 28 años y manager de Odd Future Brand- ha retratado al colectivo de hip-hop antes de que ellos lo contratasen. Pero él no quiere ser ese tipo de documentalista que captura todo y a todos tan sólo porque tiene acceso a ello. ¿Su secreto? "Haz tu trabajo y procura saber de lo que estás hablando. Tener tablas y una opinión aceptable sobre lo que estás fotografiando es muy importante". En lugar de intentar estar en todas partes, Stowell sigue los pasos de artistas como Dan Monick, que pasó 14 años disparando el ambiente que rodea al equipo de Ryhmesayers. 

Odd Future por Brick Stowell

Es fácil desacreditar a la era digital como una época creativamente infértil carente de originalidad y espontaneidad, pero quizá nos hemos centrado tanto en el pasado que nos olvidamos de reflexionar sobre lo que está por llegar. Tal vez Mick Rock lo explicó mejor cuando tituló una foto de Ziggy Stardust de esta manera: "Es un arte mirar hacia atrás, lo difícil es celebrar el pasado sin ser atrapado por él…". 

Después de todo, incluso el mejor equipo fotográfico no es suficiente para hacer cosas de calidad. Según Timothy Saccenti, "las mejores imágenes salen de lo desconocido. Puedes planificar y tener apoyos, pero cuando el sujeto aparece de forma espontánea, ahí es cuando la magia sucede". Vivimos en la era de la inmediatez de los medios de comunicación, pero sólo el tiempo dirá qué imágenes harán historia. 

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Texto Jane Helpern
Fotografías Getty Images / Michael Ochs

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